El aparente cierre de una de las webs más importantes que existen es una cagada difícil de dimensionar. No sólo es el servidor por defecto que tiene internet para almacenar archivos, sino que también con el paso de los años se ha convertido en una herramienta de trabajo indispensable para muchas compañías, ya que hoy en día se manejan cantidades absurdas de información electrónica que requieren almacenamiento y la figura de Megaupload había surgido como la más estable y transparente de todas.
Es una cagada que se traduce en un golpe a las gónadas a una inmensa cantidad de fanáticos del anime, ya que es bien sabido que casi todo estaba subido a este host y muchas series antiguas sólo podían descargarse de sus servidores (lo normal es que los links de un server promedio duren entre tres y seis meses, pero en MU los enlaces podían ser eternos, incluso en cuentas gratuitas), pero el verdadero alcance de todo esto (y la razón principal por lo que es un asunto tan grave) es que nos pone en evidencia sobre lo vulnerable que es internet.
Olvida toda esa mierda del “internet es inmortal” y “es imposible destruirlo”. Una simple resolución judicial emanada del Estado de Virginia fue suficiente para darle una estocada letal a la web y dar de baja a uno de los 13 sitios más importantes del mundo. Y lo más divertido (e irónico) de todo esto es que esta jugada maestra se lleva a cabo sólo un par de horas después del Black Day gringo, donde un montón de páginas (entre ellas Wikipedia) amanecieron “censuradas” en señal de protesta contra la ley SOPA y la invasión sistemática del gobierno estadounidense al internet.
Los alcances de esta resolución judicial son extraordinariamente amplios: Para aquellos que no estén al día con la legislación yanqui, en ese país se maneja un sistema de “precedentes judiciales”, donde los tribunales están obligados a seguir una línea a la hora de resolver casos y una vez que se emite una sentencia es muy difícil revocarla (caso emblemático de esto es el ROE VS WADE que permitió el aborto en EEUU, estando los jueces conservadores obligados a respetarlo pese a no mostrarse en conformidad con esta jurisprudencia). Esto abrirá las puertas a que los civiles puedan demandar a mega-sitios tan populares como YouTube, Facebook e incluso Google en base a las leyes de propiedad intelectual y por permitir el almacenamiento de material indebido en sus servidores.
Como pueden comenzar a vislumbrar, se trata de una cagada de proporciones bíblicas que nos invita a reflexionar sobre el futuro del internet; su fragilidad y lo fácil que resultaría limitarla si alguien se lo propone seriamente. También es interesante entrar en razón de que las decisiones de los tribunales gringos y del FBI tienen una incidencia global, por lo que un sector muy minoritario de personas nos pueden hacen la vida imposible a la distancia, lejos de las piedras y otros proyectiles de similar índole que podamos arrojarles sobre sus cabezas.
¿Qué esperar a futuro? Sin una resistencia fuerte y altamente organizada no se puede hacer mucho para impedir que los gringos hagan lo que quieran con la internet. Un buen ejemplo del poder de convocatoria de las redes sociales y las plataformas electrónicas se pudo ver durante la primavera árabe y los conflictos estudiantiles chilenos, pero acá hablamos de problemáticas que ni siquiera se manejan en la misma escala y sinceramente nadie se tomaría las calles en protesta de la caída de un servidor para almacenar archivos (el hecho en sí de comparar los conflictos en el Medio Oriente con el asunto de MU es casi insultante). ¿En conclusión? Dudo mucho que nadie haga nada y  sólo nos queda rezar para que prime la prudencia entre los magistrados gringos que tienen la última palabra.
Lo que de verdad me emputece de todo esto es que la caída de Megaupload les viene como anillo al dedo a los failsubs que suben los episodios a servidores repugnantes como Depositfiles y también a los encoders de ligeras, ya que casi todo el anime antiguo se encontraba en MU y ahora sólo será asequible mediante VLs. Me cago en Dios.

El 2011 era un año que prometía con fuerza, y en mayor o menor grado consiguió estar a la altura de las expectativas.

Nada más comenzar el año el estudio PIERROT nos sorprendió con una magnífica adaptación de una de las obras menos conocidas de Togashi (el mangaka de Yu yu Hakusho y HXH). Level E nos mostró otra de las tantas facetas que oculta uno de los mangakas más polémicos de nuestra generación, lo cual nos hizo muy felices durante los primeros meses del 2011. Aun así el anime no gozó de mucho reconocimiento y terminó sin pena ni gloria.

No tuvimos tiempo para llorar su partida, porque a la semana siguiente se estrenaron los primeros episodios de Gintama´, Sket Dance (una de las sorpresas de este temporada) y Toriko.

Gintama cumplió con lo prometido y nos bendijo con una de las temporadas más grosas que se ha visto en el anime contemporáneo en mucho tiempo. En Japón atrajo la atención de una enorme cantidad de sectores que le han hecho la vida imposible a la serie, pero entre tantos escándalos el anime sigue a paso firme y todo indica que se prolongará durante las primeras semanas del 2012.

Sket Dance es un manga de la Jump absolutamente desconocido en occidente (recién este año un grupo gringo se tomó en serio el proyecto) pero que en Japón goza de una gran popularidad, más o menos al mismo nivel de Gintama. Nadie sabía qué esperar de esta conversión (ya que muy pocos conocían el manga), pero fue cosa de ver el primer episodio para entrar en razón de que estábamos frente a un proyecto de gran envergadura, con un potencial inconmensurable y con una extensión indefinida.

Toriko nos decepcionó: El hype se fue por las nubes cuando TOEI (el estudio de One Piece) confirmó una adaptación del manga. Hicieron todo lo humanamente posible para vincularlo a la obra de Oda-sensei (varios cross-overs tanto en manga como anime, e incluso llegaron tan lejos como para hacer una película en conjunto) y todo esto consiguió levantar una gran polvareda en torno al proyecto, pero una censura demencial y la inmensa cantidad de modificaciones que Toei introdujo en la conversión animada terminaron por minar la confianza de los fans más acérrimos del manga. El resultado fue un anime dirigido a los niños más pequeños, sin el salvajismo tan característico que imprime el mangaka en su obra. Quizás no esté del todo mal, pero no se acerca -ni siquiera remotamente- a lo que todos esperábamos de esta serie.

Hablando de decepciones monumentales, el premio se reparte entre el anime de Beelzebud (que comenzó a la par con Level E) y Blood-C (no esperaba demasiado de esto, pero el efecto que causó en los fans fue devastador. Tanto así que andan considerándolo como uno de los peores animes de esta generación =/). De Blood no me pronunciaré mucho ya que no pasé del primer episodio, pero lo que le hicieron al pobre Beel me produce una desazón extrema. Todos sabíamos que Pierrot iba a arruinar el anime (era cosa de ver los diseños de personaje), pero nunca se nos pasó por la cabeza que llegaría al grado de convertirse en la burla de la revista. Pierrot no sólo se las arregló para transformar una buena premisa en un desfile de relleno interminable, nefastamente animado y sin una pizca de amor propio, sino que también fue capaz de destruir las personalidades de los personajes a tal grado que llegan a ser irreconocibles cuando los comparamos con el manga. Es una adaptación tan pero tan mala que podría incluso sentar precedente en la historia de la Shonen Jump.

-Otro anime que llamó mucho la atención este año es Ao No Exorcist. Comenzó con mucha fuerza y se convirtió rápidamente en la regalona de los usuarios, pero la adaptación se fue a pique cuando tomó distancia del manga (aunque no llegaron al punto de convertirla en un 2do Gantz). Caso contrario es el de la conversión animada de Deadman Wonderland, que la cerraron en doce episodios dejando abiertas las puertas para una secuela. Sobre este manga, en una entrada muy antigua mencionaba algo así como: “¿Posibilidades de animación? Nulas, a menos que sufra de una censura irracional que mutile las escenas más impactantes”.  Le achunté a medias ya que en momentos los manchones negros no dejan ver nada de lo que está sucediendo, pero aun así se las arreglaron para meter secuencias bastante fuertes y el anime no quedó tan destrozado como me lo imaginaba (salvo el primer episodio que es una aberración).

Lo mejor de este ciclo (y quizás de la década) debe ser Steins Gates. Comencé a verlo sin grandes expectativas, pero a partir del episodio doce dio unos giros demenciales y se convirtió en una verdadera adicción para mí. Hace años que no me enganchaba tanto con un anime y lo esperaba  con desesperación (había olvidado ese sentimiento… al fin y al cabo todos somos leechers en el fondo). Está basado en una de las novelas visuales más populares de la historia y es de revisión obligatoria para cualquier fanático de la animación japonesa que se precie de serlo.

Durante la 2da mitad del 2011 aparecieron varias joyitas interesantes: Type-Moon cumplió diez años y lo celebró a lo grande con Carnival Phantasm (adaptación del manga “Take-Moon”) y Fate Zero (precuela de Fate Stay Night). Si eres fanático de esa compañía y te has visto todo lo pertinente a sus franquicias vas a vomitar sangre con Carnival, y no hay que tener un magister en el Nasuverso para gozar de Fate Zero (incluso puede disfrutarse sin necesidad de ver la serie original).

Por las mismas fechas apareció un anime bastante bizarro que es una especie de mezcla entre Deadman y Death Note. Se llama Mirai Nikki, y es una de esas series que no deben tomarse en serio para disfrutarlas. Está repleta de situaciones irrisorias (over the top, para los yanquis), pero cumple su objetivo y entretiene bastante. Es mala, pero salva.

¿Qué más? Ah, como dejar de lado el magnífico remake de Hunter X Hunter que comenzó hace un par de semanas. Debo confesar que yo no le tenía ninguna fe a este anime y estaba en contra de que premiaran la flojera de Togashi, siendo que hay miles de mangakas con más méritos que ni siquiera son tomados en cuenta (miren que darle dos animes de lujo en un mismo año a un tipo que dibuja cuando le viene en gana), pero al final terminó por ganarse mi corazón. Incluso me atrevería a decir que este remake está quedando mejor que la versión original (siendo que AMO ese anime a tal grado de considerarlo dentro de las diez series que deberías ver antes de morir), pero aún no llegan a la ciudad de York y no hay nada escrito.

Para cerrar el artículo mencionaré brevemente algunas cosas que se me quedan en el tintero:

-Buenas fuentes me han recomendado ver Tiger And Bunny, así que si tienen tiempo no estaría mal darle un vistazo.

-Este año tuvimos segundas y terceras temporadas de Nura, Qwaser, Bakuman, Shana, Kimi No Todoke y varias más. También salió una peli de FMA, aunque toca esperar que cuelgen las isos del DVD y del BD en internet.

Eso sería todo. Estoy intentando motivarme para terminar una de las críticas que tenía pendientes desde hace mucho, pero la contienda es desigual y no sé si mi espíritu pueda soportarlo. Será mejor que estén al pendiente.

Filed under: Análisis, Críticas ]]> http://angryfreak.wordpress.com/2011/12/14/evaluacion-anual-de-estrenos-temporada-2011/feed/ 9 ANGRYFREAK leveleanime02_m Gintama x Sket Dance crossover Anime sket-dance-1 One-Piece-y-Toriko-3D Beel anime Ao-no-Exorcist steinsgate Mirai nikki 12 HXH http://angryfreak.wordpress.com/2011/11/11/critica-a-mario-paper-%e2%80%93-entradas-vinculadas-super-mario-rpg/ http://angryfreak.wordpress.com/2011/11/11/critica-a-mario-paper-%e2%80%93-entradas-vinculadas-super-mario-rpg/#comments Sat, 12 Nov 2011 03:25:53 +0000 ANGRYFREAK http://angryfreak.wordpress.com/?p=1919 ]]> Mario Paper es un título enigmático, tanto así que incluso después de terminarlo no puedo decir si es bueno o malo. Mi problema con este juego es que he intentado dármelo vuelta demasiadas veces durante los últimos 7-8 años, pero por una u otra razón nunca fui capaz de conseguirlo. Ya sea porque la consola pasó a mejor vida, me pedían regresar el cartucho o el rom se trababa a partir de cierto punto, sólo recientemente se me presentó la oportunidad de jugarlo como Dios manda y ahora estoy presto a redactar un análisis sobre ello.

Por si no lo sabían, Mario Paper vio la luz en Japón durante el 2000 y fue promocionado como una secuela directa del Super Mario RPG. La plataforma escogida para su lanzamiento fue el Nintendo 64.

Pese a que comenzó siendo la esperadísima secuela del SMRPG, al poco andar tuvieron líos de copyright con Square y el proyecto derivó en algo completamente distinto.

No me molesta en lo absoluto que se hayan distanciado del Súper Mario RPG original. La relación con Square estaba pasando por sus peores momentos, y era precisamente aquella empresa la dueña de casi todo lo que hizo famoso al juego. Tenían las patentes de la gran mayoría de los personajes, de la música, de los gráficos y del gameplay. Frente a ese desolador panorama Nintendo no tenía por dónde, así que prefirieron cortar por lo sano y modificaron el proyecto para convertirlo en algo nunca antes visto. A partir de este punto le cambiarían el título: Pasó a llamarse “Mario History” (Paper Mario en occidente).

La única opción que tenía la compañía para sacar adelante la franquicia era comenzar de cero, y eso fue lo que hicieron. Paper Mario es un juego tan distinto al SMRPG que ni siquiera pueden considerarse dentro de un mismo género. Fuera de lo que ya mencioné, no existe ningún vínculo entre ambos títulos.

Algunas cosas básicas que deberías saber del Mario Paper

-Es un juego raro: Nunca verás nada ni remotamente parecido. Está categorizado dentro de los RPG, pero salvo ciertos elementos distintivos como son la barra de vida, los puntos de experiencia y las transiciones a las escenas de combate, me atrevería decir que se trata de un juego inédito. Sus postulados no coinciden en forma estricta con los de ningún género que conozco. Es un caso bastante atípico.

-Definitivamente NO es un RPG: O si lo es, es bastante poco convencional. Me atrevería a considerarlo más dentro del género de la aventura ya que carece de los elementos fundamentales en los RPG como son los equipos personalizables (armas, armaduras y preseas) y la posibilidad de crear un grupo de aliados que luchen a tu lado. Este punto es muy debatible y será desarrollado en los siguientes párrafos.

-No hay armas personalizadas ni armaduras: En este juego sólo encontrarás upgrades para tu arma básica (el martillo), pero no son opcionales. Tienes que conseguir las mejoras sí o sí para seguir avanzando en la historia, así que apenas clasifica como “arma” para los cánones del RPG convencional. Tampoco hay armaduras, yelmos ni escudos. Lo único que podemos recolectar y distribuir a nuestro antojo son las preseas. Mario cuenta con una cantidad de espacios variable para colocar las preseas que vas consiguiendo a lo largo de la aventura, la cual depende de una selección que haces al subir de nivel (puedes optar entre aumentar tu HP o la cantidad de preseas utilizables en combate). Se trata de un sistema de accesorios muy similar al del FF3USA y FF7 con la salvedad de que algunas preseas ocupan más espacios que otras. El juego te obliga a escoger entre distintas combinaciones de preseas para progresar en la aventura.

-Mario no tiene compañeros de equipo: Lo único que tiene son un montón de mascotas que cumplen distintas funciones, pero están lejos de ser un verdadero personaje como Bowser o Geno en el Mario RPG. Las mascotas no tienen HP y no interactúan “directamente” en la pelea. Salvo casos muy excepcionales los enemigos no pueden herirlos. El combate termina instantáneamente cuando Mario consigue vencer a sus enemigos o es derrotado.

Las mascotas tampoco suben de nivel ni pueden portar preseas. A lo sumo es posible encontrar unas cajas transparentes que suben los estatus de una de las mascotas a la vez, aumentando un poco su fuerza y enseñándoles un nuevo ataque.

Por regla general sólo puedes usar una mascota por combate y debe definirse en el menú general antes de entrar en batalla, aunque durante las mismas puedes cambiar de pokemon sacrificando un valioso turno para actuar (lo cual es una idiotez 99% de las veces). Casi al final de la aventura conseguirás una presea que te permite cambiar de mascotas en combate sin perder un turno.

-Debe ser uno de los juegos de Mario más fáciles que existen: Mario Paper tiene un grado de dificultad nulo, así de simple. Se trata de un juego fantástico para los más pequeños ya que cualquiera con pulgares invertidos puede dárselo vuelta, pero aquello resulta muy decepcionante para usuarios con algo de experiencia en el área. En lo personal siento que se excedieron con la complejidad (o más bien dicho, falta de ella) durante la aventura. Hay que ser extremadamente malo para no ser capaz de terminarlo.

-La historia es demasiado simple: Olvida todo lo que viste en SMRPG, porque en esta aventura Mario regresa a sus orígenes para presentarnos una historia bastante tradicional. Bowser ha secuestrado a la Princesa utilizando el poder de una barita mágica que robó de la senda estelar. Mario deberá atravesar el mundo en busca de las distintas estrellas que forman la senda para así conseguir un poder capaz de equipararse al de Bowser.

Este juego deja de lado todo lo que hizo famoso al argumento del Súper Mario RPG. Acá no encontraremos drama ni personajes memorables, tampoco un concepto sólido que te sorprenda y se vaya renovando a sí mismo a medida que progresas en la partida. Si MRPG es lineal, este juego es la línea del Ecuador en todo su esplendor. Jamás habías visto un título con un argumento tan tedioso y repetitivo.

No sé si la historia sea el aspecto más negativo del Paper Mario. Es cierto que es monótona a más no poder, pero tampoco es algo estrictamente ajeno al género. Por regla general los RPGs tienden a ser repetitivos y monótonos, es casi como un principio fundacional del área. Cualquier cosa que implique hacer lo mismo una y otra vez durante muchísimas horas es tedioso, y nadie puede contra-argumentar al respecto. Es muy raro que los RPG se reinventen a sí mismos durante la aventura para mantener fresco el concepto y evitar el aburrimiento del jugador. Casos por excelencia de esto son el Chronos de SNES, el FF7 y el SMRPG, y todos lo consiguieron gracias a que gozan de un hilo narrativo que no cesa de sorprenderte. Pueden gustarte los giros argumentales o no, pero no puedes negar que consiguen mantener la atención del jugador en la pantalla.

Paper Mario sobresale en muchos sentidos, pero el apartado argumental es demasiado simple para un juego que pretende ingresar al pabellón de honor de los RPGs (pese a no reunir todos los requisitos del género).

-El sistema de experiencia también es atípico: No es una barrita que se va llenando ni una cantidad de puntos que debe alcanzarse. Acá vas juntando pelotitas y cuando llegas a cien entras a un menú especial donde puedes escoger entre subir el HP o aumentar la cantidad de preseas. Mario NO tiene estatus bases en este juego como fuerza, defensa, magia, etc. (otro argumento sólido para refutar su calidad de RPG).

Los enemigos no te dan una cantidad fija de pelotitas cuando los derrotas. Con cada “nivel” que avanzas la cantidad de experiencia que recibes de ellos disminuye, y tendrás que buscar oponentes más fuertes para proseguir en la aventura. Lo anterior es algo muy interesante y novedoso, ya que le pone un límite a los sobre-leveleos y te mantiene enfocado en el juego. Siento que el sistema está muy bien planteado, pero la nula dificultad echa tierra a uno de los aspectos más destacables del título. Es cierto que no puedes abusar de tus enemigos con niveles desorbitantes como en casi todos los RPG, pero de nada sirve aquello si el juego no te ofrece resistencia alguna.

-La música es una mierda: No hay absolutamente ninguna pista memorable. Se trata de un OST genérico sin impacto (lo cual es raro en la franquicia, ya que está plagada de buenas pistas de audio). En este apartado SMRPG barre el piso y usa al MP como virutilla.

-Los gráficos son interesantes: No maravillosos, pero cumplen su función sin mayores pretensiones. El engine gráfico es original de este proyecto, aunque he leído reviews de gente mucho más amargada con una opinión bastante dura al respecto. La queja recurrente apunta a que los gráficos son muy simples (lo cual es cierto, pero siento que se adaptan bien a la temática del juego). También hay muchas pixelaciones cuando Mario se va a acostar, entre otros casos muy puntuales que no vale la pena mencionar.

-Peach es insoportable: En serio, he llegado a sentir que se esforzaron en hacerla lo más molesta posible. La veremos entre escenarios (uno por cada estrella y el final) en su rol de “Princesa en Apuros”. Podremos controlarla por instantes, aunque en realidad lo único que haremos será deambular por el castillo sin nada relevante que hacer. Ya sea mirando el diario secreto de Bowser o enviándole a Mario algunos consejos poco prácticos, las desventuras de Toadstool no son más que una brutal pérdida de tiempo. Para colmo Peach avanza lento, no salta y la gran mayoría de las veces toca moverse furtivamente para no ser descubierto. Estas secuencias son tan lentas que te hacen imaginar cómo sería si la Princesa fuese la misma del SMRPG. Denle una sartén, la Lazy Shell y unos cuantos syrups y Bowser tiene los días contados.

-El sistema de combates es novedoso y entretiene: Me agrada mucho la forma en que peleas en este juego. Con Mario puedes golpear a los enemigos saltando o con un martillo y tus pokemons tienen entre 3 y 4 ataques personalizados. El martillo debe cargarse para golpear a máxima potencia y el salto debe complementarse presionando el botón en el instante preciso.

La forma en que el juego distribuye el daño en combate también es muy poco convencional. Ya he mencionado que Mario no tiene stats, pero puede ir sumando daño a medida que consigue upgrades para su martillo y botas. También influye mucho la configuración de preseas que elijas (puedes escoger entre una modalidad ofensiva, defensiva y mixta. Recomiendo con los ojos cerrados la primera ya que de por sí es muy difícil que los enemigos te derroten).

Comienzas haciendo “1” de daño, “2” si conectas bien el 2do salto, y terminas la aventura haciendo un máximo de 15 puntos en un mismo turno (es aproximado, quizás pueda hacerse más conectando muchos saltos con las preseas adecuadas). Bowser es el enemigo con más HP del juego y sólo tiene 99 puntos de vida.

-El gran final: El juego termina con un desfile, haciendo una referencia más que explícita al SMRPG. Me parece una buena forma de hacerle tributo, pero no les quedó muy bien que digamos y peca de aburrido. La música no le hace justicia, tampoco los personajes. Se trata de un desfile demasiado sobrio y sin chiste.

-Aspectos más negativos; Buscar trozos de estrella y los intercambios de cartas: Si me preguntan por algo que de verdad ODIO del PM hasta el punto de sufrir una embolia son los inútiles, molestos e insufribles intercambios de cartas que se prologan hasta el final del juego. Es cierto que los RPG son tediosos por default, pero opino que Paper Mario lo llevó a un nivel completamente diferente. Durante toda la aventura el protagonista deberá enviar y recibir cartas en un ciclo eterno a cambio de trozos de estrella y para desarrollar una sub-trama que no le importa a nadie (va de una reunión entre amigos o algo por el estilo, pero dejé de prestarle atención por la carta número catorce mil quinientos treinta y cinco). Durante la segunda mitad del juego te meterás de lleno en un intercambio de correspondencia que concluirá casi al final de la aventura, y como recompensa a todo el sudor que has derramado atravesando el mundo enviando las jodidas cartas recibirás una presea inútil, que incluso puedes comprar en tiendas. No tienen ni idea lo MUCHO que me emputeció pasar días completos de mensajero para finalizar las cadenas de una forma tan decepcionante. Cuando me enteré de esto me costó un poco asimilar el tremendo trolleo al que había sido sometido con toda esa tontería. Debe tratarse de una de las sub-misiones más inútiles jamás concebidas en un juego de video a la fecha.

Los trozos de estrella sirven para comprar preseas geniales a un tipo que te encuentras casi al principio del juego. Su stock de objetos es visible desde un comienzo, por lo que siempre estarás muy entusiasmado cada vez que consigues un trozo y te acercas poco a poco a los premios más suculentos. El problema reside en que los trozos de estrella están ocultos en los mapas y la única forma de encontrarlos es golpeando a todas las cosas que se te pasen por delante. Es por eso que te pasarás gran parte de la historia dándote cabezazos con los árboles (hasta que consigues una presea que emite un pitido cuando tienes un trozo cerca).

Punto final

Como debe haber quedado de manifiesto en la entrada, mi relación con este juego es de amor-odio. Sobresale en muchos aspectos, aunque sus debilidades le restan credibilidad a sus fortalezas.

Se supone que aquí debería escribir algo profundo e interesante que resuma el contenido del artículo, o a lo menos acote algo que se me pasó durante la redacción, pero estoy algo cansado y sin ideas para el cierre. Mencioné todos los temas que quería desarrollar del juego y no tengo nada más que decir al respecto.

Espero que les haya resultado interesante el artículo. Nos vemos en otra ocasión.

Filed under: Análisis, Críticas ]]> http://angryfreak.wordpress.com/2011/11/11/critica-a-mario-paper-%e2%80%93-entradas-vinculadas-super-mario-rpg/feed/ 5 ANGRYFREAK papm640b paper mario group papermario5 mario hammer paper mario 1 Bowser_and_his_Army Paper Mario 4 bowser_mario PaperMarioBros paper_mario_64_md paper mario goombas Paper_Mario_Hammer Paper Mario2 paper_mario2_35 http://angryfreak.wordpress.com/2011/09/24/clasicos-de-super-nintendo-03-super-mario-rpg/ http://angryfreak.wordpress.com/2011/09/24/clasicos-de-super-nintendo-03-super-mario-rpg/#comments Sat, 24 Sep 2011 16:07:49 +0000 ANGRYFREAK http://angryfreak.wordpress.com/?p=1901 ]]> Acá les dejo otra entrada que redacté durante los últimos meses. Ya no tengo la “chispa” de antes para torturarlos con mis obscenos artículos, pero sigo activo y tengo varios borradores avanzados. Espero no defraudarlos.

Super Mario RPG: Legend Of The Seven Stars vio la luz durante los primeros meses de 1996, en plena Edad Dorada del RPG en Super Nintendo.

Soy conciente de haberlo repetido hasta el cansancio, pero la “Golden Age” fue un periodo en la historia de las Video-consolas donde los títulos RPG eran lo más y los juegos de este género se vendían como pan caliente: Eran los tiempos del Final Fantasy 2 y 3 (US); de los BOF, Lufias, Terranigma, Illusion of Time & Gaia, Chrono Trigger, Earthbound y un largo etcétera. El boom se vivió casi en plenitud en Snes, aunque tuvo su cénit con la salida del FF7 en PSX (y su posterior declive, ya que dejó la vara demasiado alta).

¿No es interesante que el Final Fantasy VII -probablemente el mejor RPG de la historia- haya salido para Playstation y no en las consolas de Nintendo? Por aquel entonces el Snes acaparaba el 99% del mercado de los RPGs a nivel global y Squaresoft era uno de los principales responsables de su éxito. Square Co. Ltd. (hoy en día Square-enix) es una compañía que nació directamente bajo el alero de Nintendo, y hasta la fecha había sacado algunos de los mejores títulos disponibles para Snes, dícese: Secret Of Mana (y sus distintas secuelas), Ogre Battle (la joya olvidada del Super Famicom; siendo la versión de PSX muy inferior a la original), los Final Fantasy y el maravilloso Chrono Trigger.

No es un hecho muy conocido, pero Squaresoft estuvo a punto de caer en la quiebra antes de la salida del primer Final Fantasy para Famicom en 1987. Lo que salvó a la compañía fue el talento creativo del genial Hironobu Sakaguchi (el padre de Final Fantasy, Parasite Eve, Xenogears y Chrono Trigger -aunque estuvo en el “Dream Team” junto a Toriyama y al creador del Dragon Quest, sin contar a Uematsu en el OST) y el respaldón económico que le brindó Nintendo a una empresa sin mucho futuro como Square durante varios años.

Durante los siguientes nueve años la relación Square-Nintendo formalizaría su romance con la salida al mercado del Super Mario RPG, fruto del amor prohibido entre ambas compañías. Nintendo aprovecharía la onda expansiva RPG de la época para dar el salto en su franquicia más emblemática, mientras que Square usaría esta oportunidad para consolidar aun más los fuertes lazos que le ataban con el Snes (durante todo este periodo de tiempo Squaresoft le había jurado fidelidad a la gran N otorgándole la exclusividad de casi todos sus lanzamientos).

El director del proyecto fue Shigeru Miyamoto en persona (sé que está demás mencionarlo, pero es el creador de Mario, Zelda, Donkey Kong, Star-fox, etc.), quien trabajó codo a codo con Hironobu Sakaguchi. Por si no hubiera suficientes monstruos reunidos en un mismo jugar, se confió la tarea de crear las pistas musicales a Yoko Shimomura (Final Fight, Street Fighter 2, Kingdom Hearts, Breath Of Fire y Parasite Eve).

Uno de los aspectos más interesantes del juego está en el equipo de producción en sí mismo. Por aquellos tiempos Nintendo dominaba en forma casi hegemónica la industria (ya saben, pre-SOTN-FFVII) y Square era una de las pocas compañías capaces de seguirles el ritmo. Se desconocen muchas cosas del proceso interno de elaboración del juego, pero los rumores apuntan a que fue un caos total: Nintendo terminó completamente enemistada con Square, generando un quiebre definitivo con la industria y la cancelación del Final Fantasy VII para 64 (con todas las repercusiones ya de sobra conocidas[1]). El rencor fue tal que Square nunca aceptó soltar su porcentaje de las licencias sobre el SMRPG, impidiendo en forma categórica el lanzamiento de secuelas directas a la franquicia.

A partir de este punto Sakagushi se distanciaría por completo de Nintendo, tanto así que recién el 2011 aceptó trabajar en forma directa con el “The Last History” para Wii (título más que apropiado, por si me lo preguntan). Square seguiría una línea similar a la de Sakagushi sacando sólo las sobras de sus franquicias más emblemáticas en Nintendo, y la gran mayoría de las veces para consolas portátiles. Ejemplos de lo anterior hay miles: El Blue Dragon salió en Xbox, pero Blue Dragon Plus y Awakened Shadows (secuelas baratas) salieron para DS; lo mismo pasa con los FF Tactics de DS y los horrendos Final Fantasy de Nintendo. Probablemente la única franquicia que ha sido tratada bien en GBA y DS ha sido la de Kingdom Hearts, aunque eso se explica por los fuertes lazos comerciales entre Nintendo y Disney.

Desmenuzando el Súper Mario RPG: Historia y personajes

Analizar el SMRPG es darle un vistazo a un gigantesco universo en continua expansión. No sólo es un título con miles de características muy particulares que le definen, sino que además su real incidencia en el sector de los RPG sigue siendo incierta. Es uno de esos juegos que crean escuelas, y tanto para bien como para mal la ausencia de secuelas directas le ha valido ser considerado como una de las franquicias millonarias menos explotadas de la historia de los videojuegos. Un honor bastante infrecuente en la competitiva industria de las consolas domésticas.

-Una de las cosas que más me atrae del juego es el argumento: Según tengo entendido la historia fue desarrollada casi en su totalidad por los chicos de Square (gente con mucha experiencia en el área), y debo confesar que me deja sin palabras lo bien que pudieron adaptar una premisa tan ridículamente sencilla como la de Super Mario Bros.

En la saga de videojuegos Súper Mario (partiendo desde el Donkey Kong original hasta el Mario World en Snes, exceptuando el SMB2 americano[2]) la historia siempre seguía un mismo trazado base: Fontanero vestido de rojo atraviesa distintos mundos en busca de la princesa capturada por un monstruo.

Originalmente el enemigo de “Jumpman” era Donkey Kong y la princesa a rescatar se llamaba Pauline, pero a partir del SMB el protagonista será bautizado como Mario (distanciándose de su origen como clon ilegítimo de Popeye, siendo Pauline Olivia y DK Brutus), quien deberá ir en busca de Peach, la princesa del Reino Champiñón que ha sido secuestrada por el malvado Bowser, rey de los Koopas. Mario cuenta con la ayuda de su hermano Luigi para superar los distintos retos que le aguardan.

La historia de SMB es muy sencilla pero funciona a la perfección en un juego de plataformas donde el argumento es lo de menos. En los RPG no ocurre lo mismo ya que la línea argumental constituye los pilares fundacionales de la aventura; si la trama es mala el juego no engancha, y sin capacidad de atracción no hay alicientes para terminarlo (no es una regla de oro pero aun así se aplica la mayoría de las veces).

SMRPG comienza en forma magistral mostrándonos la rutina clásica de todos los juegos anteriores: Bowser secuestra a la princesa y Mario debe ir a su castillo a rescatarla, pero cuando consigue hacerlo un fenómeno inusual interrumpe la escena. Una espada gigante atraviesa el castillo y toma posesión de él en nombre de la “Pandilla de Smithy”, causando que Mario, Bowser y Peach salgan expulsados en distintas direcciones.

La “Senda Estelar” ha sido destruida y Mario deberá viajar por todo el mundo buscando los distintos trozos para repararla, al mismo tiempo que intenta averiguar el paradero de Toadstool. A medida que progresas en la aventura conocerás nuevas aliados, y eventualmente el mismísimo Rey de los Koopas se unirá a tu equipo.

Permítanme repetirlo en voz alta: BOWSER SE UNE A TU GRUPO. Esa es una de las cosas más jodidamente asombrosas que recuerdo del videojuego. Durante casi dos décadas Bowser había sido un enemigo temible, pero ahora se convertía en un personaje en el cual podías depositar tu confianza. A partir de este punto le diremos adiós al King Koopa clásico de SMB  -el lagarto bípedo sin sentimientos cuya única función en la vida es causar problemas- para introducir a un personaje mucho más complejo. El Bowser post-SMRPG ya no es un arquetipo de villano por defecto, sino que únicamente busca recuperar lo que le pertenece. Durante gran parte de la aventura lo verás avanzar con sus tropas en dirección al castillo, pero cada vez que te lo encuentras su ejército es más pequeño. Con el tiempo no tendrá a nadie que le haga compañía y  el grupo de Mario sentirá lástima por él. Como sus objetivos son técnicamente los mismos (derrotar a Smithy) harán una tregua momentánea y unirán fuerzas en aras de una meta común.

Uno de los principales logros de este juego es convertir a Bowser en un personaje querible. Antes sólo era un enemigo más a quien derrotar, pero ahora es posible incluso crear un lazo empático con él. Sentirás pena cuando lo veas llorando solo y es muy divertido ver como sus antiguas tropas huyen en pánico a la hora de enfrentarlo en un combate.

-Otro personaje interesante es Peach, la inútil princesa del Reino Champiñón que Mario siempre debe rescatar. Hasta el incidente de la boda en Marrymore uno de los principales objetivos del juego era salvar a Toadstool, pero cuando lo consigues su incorporación al grupo resulta muy sorpresiva. No sólo puedes usar a la princesa en combate, ¡sino que  además es probablemente el mejor personaje de tu equipo! No es tan sencillo vencer a Culex, Smithy y los Axem Rangers sin los poderes curativos de Peach, además que sus habilidades mágicas son por mucho las más útiles de todo el juego.

El cambio de la princesa es tanto o más extremo que el de Bowser. De ser un personaje insoportablemente plano y odioso pasará a ser uno osado, fuerte y testarudo. Ésta debe ser la mejor Peach de todos los tiempos, aunque es muy triste que no hayan mantenido al personaje en títulos posteriores. Después del SMRPG Toadstool volverá  a ser la princesa en apuros de toda la vida.

 -Los otros dos personajes que puedes encontrar a medida que atraviesas el mundo son Mallow y Geno. El primero es una especie de hombre-malvavisco muy versado en la magia, pero sus continuos ataques de llanto (sumado a que se vuelve bastante inútil en los momentos finales de la aventura) le juegan en contra; Por el contrario, Geno es quizás el personaje más memorable del juego (junto a Jonathan Jones).

Geno es un muñeco que cobró vida gracias al poder de una pequeña estrella y su objetivo es encontrar los siete pedazos de la senda estelar. Durante el juego tiene poquísimos diálogos y su apariencia deja mucho que desear, pero es un personaje único que siempre tendrá un espacio en nuestros corazones (en realidad todo es gracias a la secuencia final, cuando el resto del equipo rodea el cuerpo sin vida del muñeco. Si no fuera por esa parte Geno nunca hubiese trascendido en el tiempo). Tanto se le recuerda que incluso fue presentado por los programadores de Smash Brothers Brawl como personaje seleccionable en la página oficial, pero por problemas de copyright la idea fue desechada casi de inmediato (aunque aun así se las arreglaron para meter el tema del bosque como pista oculta en el disco de SSBB). El último guiño que conozco al personaje se encuentra en Mario & Luigi Superstar Saga, donde puedes verlo a la derecha de la pantalla en un mini-juego de Lili-Champiñón.

-Ahora demos un breve repaso a los personajes secundarios: El más relevante por mucho es Smithy, quien es un traficante de armas intergaláctico interesado en convertir al planeta en una fábrica gigante. Es posible interpretar su existencia como una audaz crítica a un sistema capitalista opresor y despiadado, donde los fuertes se imponen y la libertad es sólo un espejismo en el desierto, pero dudo mucho que los programadores originales hayan tenido eso en mente al desarrollar la trama. Fuera de bromas, Smithy en su 2da forma es una criatura terrorífica (recuerdo haber tenido pesadillas de pequeño con su apariencia), además el tema introductorio a su combate es -indudablemente- uno de los mejores OST de todos los tiempos.

El 2do más llamativo es el Capitán Jonathan “Johnny” Jones (el personaje más GAR de toda su generación). Jones es un pirata legendario que habita un barco fantasma sumergido en las profundidades, y cuando finalmente das con él retará a Mario en un dueño mano-a-mano para probar su valía. Una vez que le venzas reconocerá tu poder y te harás merecedor de su respeto. También será de gran ayuda en el combate contra Yaridovich. Por último, en el desfile del epílogo aparece cuando se hace de noche (quizás el momento más genial del juego).

Otros personajes interesantes son Culex (el jefe oculto), Booster (un clon bastardo de Wario), Boomer (un viejo samurái con un férreo código de honor), Jinx (El maestro en artes marciales de Monstro Town) y los Axem Rangers (una ingeniosa parodia de los Power Rangers que luchan encima de un robot similar a Megazord).

 Pistas de sonido; Gráficos y gameplay

-Todos los especialistas coinciden en que el OST del Legend Of The Seven Stars es una joya resplandeciente, evidencia de eso es que siempre está entre los primeros 10 puestos de mejor banda sonora de videojuegos en casi todas las listas. No tiene nada que envidiarle a mega-clásicos como el SOTN, Ocarina del Tiempo, MGS y tantos otros.

Una de los aspectos más llamativos del juego es que tiene opening. Hoy en día es lo más normal del mundo, pero por aquel entonces ese tipo de cosas eran muy infrecuentes (de hecho, debe ser el primer RPG de su generación con uno). La canción es muy pegajosa y el video está muy bien hecho… sin duda alguna se trata de una magnífica incorporación al cartucho.

Escoger los mejores temas no es tarea fácil, pero en lo personal me quedaría con las de batalla (en especial la de los jefes), la canción que debes coordinar con tus saltos en el reino Nimbus, el de la Isla Yoshi y del camino a Marrymore, sin olvidar el tema del bosque (que tiene un remix fabuloso deambulando por la internet).

Por mucho las pistas más importantes del juego son las del final. Desde que comienza la batalla contra Smithy tus oídos serán bendecidos con un OST sublime tras otro. Sobresale por méritos propios la canción del desfile, que por cierto sigue conmoviéndome cada vez que lo veo (mientras más viejo te haces más susceptible te vuelves a la nostalgia).

-Los gráficos son lo mejor de su época. En Snes no hay nada ni remotamente similar que le haga mella al SMRPG en este apartado, aunque acá ya estaríamos metiéndonos de cabeza en el terreno de la subjetividad (es posible preferir el engine utilizado en el Chronos y/o FF3, pero hoy en día nadie cuestiona que los gráficos más novedosos y atractivos son los del Mario RPG).

 -Quizás el aspecto más difícil de desarrollar sea el asunto del gameplay. Este juego se desliga del ATB (Active Time Battle) clásico que usaba Square en sus juegos para incursionar en un sistema de batalla tradicional por turnos. Acá no hay una barrita que se consume paulatinamente y anuncia que tu personaje puede realizar un movimiento, sino que los turnos se van rotando entre los aliados y los enemigos en forma pareja. 

Lo más interesante de todo esto es que puedes completar los ataques presionando el botón antes de conectar el primer golpe. No estoy seguro si existían otros RPG con mecánicas similares antes del SMRPG, pero su originalidad es innegable y es gracias a esto que el juego es tan recordado. Todas las batallas son distintas, además de que los movimientos son rápidos y fluidos. Debe tratarse del título de SNES con combates más dinámicos junto al Chronos en Snes.

-Otra particularidad del Gameplay se encuentra en la barra de Puntos Flor. Durante las peleas existe una barra de “maná” común, que se va desgastando a medida que los personajes utilizan sus ataques especiales. Eso es algo infrecuente en este tipo de juegos y no conozco ningún RPG con un sistema similar.

Esta imagen es increíble, pero tendrán que presionar sobre ella para apreciarla en detalle.

Cuestiones generales

El Legend Of The Seven Stars es un RPG distinto de principio a fin. Antes de su lanzamiento no podemos encontrar ningún juego que se parezca, ni siquiera en forma remota.

El hecho de que todos los personajes aumenten de nivel en forma simultánea y que la dificultad es relativamente baja son indicios inequívocos de que estamos antes un juego para niños, pero exprimir al máximo el cartucho es un reto que desafía incluso a los más expertos.

Este juego está plagado de secretos, y algunos no son precisamente “intuitivos”. Encontrar los tokens de los fantasmas es casi imposible sin un faq y deberían darte una medalla si descubres sin ayuda de nadie el camino invisible para conseguir el fertilizante en Nimbus Land. Mi preferido es el truco de Monstro Town para pelear contra el jefe secreto del juego. Culex es un personaje tributo a Final Fantasy, además de ser un adversario temible si no estás bien preparado.

¿Qué más podría escribir sobre este el Súper Mario RPG? Supongo que no he mencionado sus puntos flacos: La historia peca de linealidad (aunque no es necesariamente algo malo); también es un juego de muy corta extensión (pero eso se explica por las propias limitantes de la consola) y la dificultad es bastante baja (si juegas con la princesa, pero es casi imposible vencer a Culex sin ella).

Otra cosa que no he desarrollado es el increíble valor nostálgico que tiene este juego. Generalmente los RPG son títulos demasiado complicados para los niños pequeños, por lo que el SMRPG debe ser uno de los primeros RPG que la mayoría de nosotros terminamos. Vencer a Smithy es una experiencia inolvidable y la secuencia del desfile es algo que nos acompañará durante toda la vida.

Este juego es ideal para aproximarse al mundo de las video-consolas. Casi cualquiera puede dárselo vuelta y la historia resulta particularmente atractiva para los más pequeños. Es muy recomendable para introducir a un hermanito o a un primo a los juegos retros (puedes decargarlo en el Canal Wii).

Eso es todo por hoy. En un comienzo esta entrada estaba pensada tanto para hablar del SMRPG como del Paper Mario en 64, pero debido a que se extendió demasiado dejaré el 2do análisis y la odiosa comparativa para otra ocasión.

Rule Of Rose salió al mercado en Japón durante el 2006 de manos de una compañía desconocida y tuvo una recepción bastante regular. Se trata de un Survival genérico sin grandes pretensiones, pero la controversia comenzó cuando Atlus manifestó su intención de comercializarlo en Estados Unidos. Es difícil rastrear los orígenes del debate, pero supongo que algún padre indignado le envió una carta a un congresista republicano, quien a su vez realizó una crítica pública a ciertos aspectos del juego (algunas escenas seudo-lésbicas entre niñas, las torturas psicológicas que sufre la protagonista, entre otras cosas).  Poco a poco la discusión fue creciendo en intensidad, hasta el punto de prohibir su venta en Italia, Australia, Polonia y en el Reino Unido, mientras que los gringos tuvieron que conformarse con una versión muy censurada del juego.

El gran problema de los opositores a su lanzamiento residía en el “marcado tono erótico” de la historia, siendo el juego protagonizado en su mayoría por niñas pequeñas. Como sea, tras el incidente con el Rule Of Rose se modificó la normativa actual que regula la clasificación por edades de los videojuegos. También se dejó un poco de lado el debate sobre la violencia en los juegos modernos para pasar a uno más enfocado en los límites de contenido que debería tener la industria. Se establecieron fronteras en la producción para así impedir títulos con contenidos demasiado controversiales.

En lo personal considero este debate muy interesante porque se sale de las críticas habituales que pueden hacerse a la industria de las videoconsolas. También llama la atención el relativo éxito que tuvo el movimiento censurador (por regla general, este tipo de prohibiciones nunca funcionan y sólo sirven para aumentar la popularidad de los juegos), ya que consiguió hundir al Rule Of Rose en olvido -convirtiéndolo en un título extremadamente raro y desconocido- aunque quizás aquello se explique más por el juego en sí que por todos los esfuerzos acometidos para destruirlo.

De qué va la cosa

Para comenzar a aproximarnos al ROR deberíamos darle un vistazo a su argumento: Jennifer es una chica de unos 19 años que se pierde en los alrededores de una mansión mientras persigue a un niño desconocido. El edificio resulta ser un antiguo orfanato abandonado, infestado por los fantasmas de unos niños congelados en el tiempo. Durante la aventura contarás con la compañía de Brown, un perro con el talento de encontrar objetos ocultos. Su asistencia será vital para seguir rastros y encontrar pistas.

Los huérfanos usan máscaras muy parecidas a las vistas en la película “El orfanato” de Guillermo del Toro, y la historia sigue una directriz similar (la película fue estrenada más de un año después del lanzamiento del ROR y ganó decenas de premios, entre ellos varios Goyas). Al progresar la aventura los niños le harán la vida imposible a la desafortunada Jennifer, quien es confundida como un huérfano más. El objetivo del juego es desvelar el pasado olvidado por la protagonista, así como escapar de la pesadilla en que se encuentra.

Profundizando un poco más en el argumento, descubriremos que los niños han creado una secta de nombre “La Aristocracia del Crayón Rojo”. El grupo es liderado por el Príncipe y la Princesa de la Rosa, y todos sus integrantes reciben una jerarquía (la de Jennifer es “sucia”, aunque comenzó siendo “desgraciada”). Los Príncipes no revelan su identidad sino hasta el final del juego, siendo Diana, Eleanor y Meg las encargadas de cumplir sus caprichos. La mayoría de las peticiones del grupo consisten en denigrar a los otros niños del orfanato, organizar pequeñas travesuras, buscar objetos, entre otras cosas.

Cerca del final se descubre que Jennifer frecuentaba el orfanato cuando niña, y por si fuera poco estaba envuelta en una relación romántica con una de las chicas del lugar. Su amor terminó de forma bastante trágica, con un incidente donde todas las personas de la mansión -a excepción de ella- perdieron la vida.

Aspectos negativos del juego

Rule Of Rose es un título con una historia profunda y conmovedora. La crítica especializada ha alabado este apartado en forma casi unánime, pero adolece de ciertas falencias estructurales que opacan con creces todos los aspectos positivos del juego.

El GRAN problema del ROR es su nefasta jugabilidad: No sólo el control del personaje es terrible, sino que se las arreglaron para tener uno de los sistemas de combate más espantosos que haya visto en un Survival de similares características. Durante el transcurso de la aventura puedes enfrentarte a niños poseídos con armas tales como tubos y hachas de mano. El inconveniente está en que Jennifer tiene una sola combinación de golpes para acabar con sus enemigos, lenta a más no poder y con dos de tres ataques que no acertarán la gran mayoría de las veces. El 98% de los oponentes que te encuentras son críos y los primeros 2 movimientos de la combinación conectan en forma horizontal, pasando por sobre la cabeza de casi todos los rivales. Acostumbrarse al sistema de combate y desarrollarlo en forma eficiente sólo puede conseguirse en los momentos finales de la aventura, pero para llegar hasta ese punto sufrirás inmensamente en todas las secuencias donde eres atacado (en realidad son muy  escasas, pero joden a más no poder). Para empeorar las cosas los enemigos SIEMPRE te atacan en grupo y son infinitos, por lo que el mismo juego te incita a eludir los enfrentamientos y escapar como un gatito asustado cada vez que aparecen los espectros. Y por si fuera poco, hay muchos momentos en los que sólo podrás progresar en la aventura aniquilando a todos los oponentes en escena (aunque no dejen de aparecer). Da la impresión de que el juego te incita a eludir los combates, aunque cada cierto tiempo se contradice indicándote lo contrario.

El gameplay de este juego está tan descomunalmente jodido que me deja sin palabras, tanto así que en momentos parece hecho adrede. Uno pensaría que tras currárselo tanto en la trama no se pondrían vagos en el apartado jugable, pero nada de eso, ya que este título es un homenaje a la mala programación y a la falta de ideas a la hora de desarrollar los combates.

Lo gráficos no están del todo mal (de hecho, los videos son sublimes y la ambientación es muy buena), pero el problema de las batallas arruina por completo un juego con muchísimo potencial para convertirse en un clásico contemporáneo. Entiendo que son una compañía nueva y todo eso, pero cuesta creer la inmensa cantidad de errores cometidos durante la realización de este proyecto. ¡He visto juegos en RPG Maker Pro con mejores sistema de batalla que éste! Es casi como si hubieran pasados meses sentados en una mesa escribiendo la historia, pero se les olvidó enfocarse en todo lo demás.

Un segundo punto negativo está en la forma en que consigues ítems durante la aventura: 95% de los objetos son invisibles para el ojo humano y la única forma de encontrarlos es “olfateándolos”, mientras sigues el rastro de tu compañero canino. Un ítem te lleva a otro, y siete-octavos del juego consisten en atravesar los mapas en un interminable rally de objetos. De un dulce llegaremos a un calcetín, que a su vez te llevará a una barra de chocolate, el cual deriva a inútil robot de juguete… Al final todo se resume en encontrar una lista casi infinita de basura inservible, con nula incidencia en el desarrollo de la aventura (hay ciertos ítems que sí son útiles para desbloquear secretos y todo eso, pero son los menos). No se imaginan lo emputecedor que puede llegar a ser pasar horas y horas siguiendo rastros para sólo dar con canicas y pinzas para tender la ropa. En momentos como éste es cuando de verdad comienzas a odiar las decisiones que tomas en la vida, mientras piensas: “ahora mismo podría estar estudiando una carrera o algo, en vez de perder el tiempo con esta porquería”. “En serio, ¿cómo demonios terminé buscando canicas y ganchos para la ropa en un juego de video?” “¿En qué punto erré el camino?” “¿Todavía tengo tiempo para enmendarlo?” Entre otras reflexiones similares.

Salvo objetos fundamentales para progresar en la historia, esta búsqueda infinita de ítems carece por completo de sentido. El problema está en que los rallys son la forma principal para conseguir comida curativa en el juego, que por cierto es muy escasa durante los primeros escenarios y en su mayor parte sólo te recupera una ínfima porción de vida. Pasarás la mayor parte del tiempo corriendo por tu vida con una cantidad muy reducida de ítems curativos, y es imposible avanzar en la aventura sin reservas abundantes de alimentos.

En realidad el asunto de la comida es muy relativo: Durante gran parte del juego te la pasarás muy corto de suministros (en especial durante el odioso arco de la sirena), pero cerca del final te atiborrarán de objetos para recuperar la salud (lo cual es bastante fútil, ya que el jefe final con suerte te tocará una o dos veces). Los programadores no fueron capaces de distribuir los ítems en forma ecuánime a lo largo y ancho de la travesía, aunque en realidad aquel fallo muy frecuente en los Survival malos de PSX-PS2. No vale la pena enfocarse en ese tipo de críticas tan generales.

Un tercer punto negativo está en la protagonista en sí: Jennifer tiene la personalidad de un niño llorón de 5 años, y molesta mucho todo el abuso que sufre por parte de los demás engendros del orfanato. Casi todos los escenarios terminan con ella desmayándose por el “shock”, y es demasiado frustrante lidiar con su cobardía extrema. Entiendo a la perfección que el juego es un thriller psicológico enfocado en la impotencia que experimenta el jugador al sentirse sometido a unos niños pequeños (lo cual está plasmado en forma magistral), pero para lograr aquello debieron sacrificar dos aspectos fundamentales en los Survival Horror, dícese: La empatía con un protagonista carismático y un “motivo” final que te incentive a terminar la historia.

Es casi imposible tener cualquier tipo de acercamiento empático con Jennifer; su personalidad es demasiado insoportable, y su falta de carisma sólo consigue acentuar sus falencias como prota de la historia. Nunca toma decisiones que se opongan a los deseos de los niños.

Lo de los incentivos es como suena; el juego no te da motivos para terminarlo. El morbo por saber cómo termina la historia no consigue imponerse ante el fracaso del gameplay y la intolerable personalidad de Jennifer. Acabar la aventura termina siendo un asunto de voluntad, y sólo aquellos más ociosos serán capaces de completarlo. De hecho, a partir de cierto punto el juego ni siquiera intenta interponerse en tu camino (la dificultad puede graficarse a modo de una “U” invertida, donde los momentos más complicados se encuentran en la mitad de la historia).

Cuestiones generales

-La música es una mierda; el juego tiene como 3 ó 4 pistas que las repetirá hasta el aburrimiento. El ost no tiene nada del otro mundo y hay ciertos momentos (como el comienzo del arco final en el orfanato) donde lo único que quieres es bajar el volumen al mínimo.

-A partir de la mitad el juego se vuelve extremadamente monótono: Es incluso peor que el intercambio infinito de cartas en Paper Mario… No hayas la hora de apagar la consola y hacer cosas más productivas con tu  vida. Ya lo mencioné antes, pero este juego sólo es recomendable para sedentarios extremos, de preferencia hikikomoris que sufran de constantes delirios esquizofrénicos (lo último puede ser reemplazado por algún tipo de bebida que exceda los 40 grados de alcohol).

-La historia es rara: Es uno de esos juegos donde el argumento es interpretable. No hay indicios claros de nada y gran parte de la historia es construida mediante recortes de periódicos que encuentras en el suelo (algunos cuesta mucho pillarlos). Debo confesar que cuando terminé el juego no me quedó del todo claro el pasado de Jennifer ni del orfanato en general, y sólo tras ojear los artículos de Wikipedia pude comprender los aspectos más relevantes de la trama.

Algo llamativo es la escasa uniformidad de los resúmenes existentes en Internet. Da la impresión de que todos se quedan con una versión distinta de la historia, y aquello puede entenderse tanto como algo positivo como algo negativo. La incertidumbre le añade una pizca de misterio muy atractiva.

Conclusión

El Rule of Rose es un título extremadamente mediocre, y su único atractivo real es que fue víctima de una censura despótica, medieval e irracional. He jugado la versión uncensored y puedo decir con total seguridad que no hay ninguna escena “pedófila” o “potencialmente impactante” (a lo sumo las caricias de las niñas y algún indicio de comportamientos indebidos del director con una de las niñas, pero nada concreto).

Es un juego de 3ra con una historia interesante y bonitos CGs, pero fuera de eso el ROR sucumbe ante su propio peso. No vale la pena ni siquiera descargarlo por el morbo de conocer a uno de los juegos más polémicos de todos los tiempos.

La verdad es que tengo la consola hace casi un año, pero salvo el RE y SH 5 ningún juego había llamado poderosamente mi atención. Llámenlo inconformismo, nostalgia o lisa y llanamente estupidez, pero hay “algo” que los juegos modernos no pueden reproducir. Ese “algo” es la razón por la que sigo jugando Snes con asiduidad y no puedo resistirme a un buen título de PSX cada cierto tiempo, pero tampoco iría tan lejos como para decir que todos los juegos nuevos son una porquería y la industria hace mucho que perdió su foco.

Un factor muy relevante para explicar este “recelo” con lo nuevo es el elemento gráfico. Antes las propias limitantes de la consola determinaban el frameo por segundo y la cantidad de polígonos que podían verse simultáneamente, lo cual implicaba que fácilmente podías seguir con los ojos todas las cosas que aparecían en pantalla. Al contrario, en los juegos actuales las gráficas son tan ridículas que tienden a sobre-complejizar demasiado las cosas, y el mayor perjudicado de todo esto es la propia visión del jugador, ya que debe adaptarse a una velocidad muy alta de acontecimientos en pantalla (generalmente en tiempo real) y seguir con la mirada los movimientos de millones de enemigos, cada uno con particularidades propias. No es de extrañar que termines con una jaqueca espantosa al jugar un par de horas; tus globos oculares dan lo mejor de sí para no perder contra la velocidad del juego y tus pupilas se dilatan más veces de lo recomendable. Al poco tiempo tu visión empieza a empeorar, te cuesta ver las cosas en perspectiva y lentamente comienzas a quedarte bizco. Esto es -lejos- el mayor problema de los juegos de última generación y una razón de peso para no dejar que  tus hijos jueguen más de una hora de corrido (a una distancia prudente de la TV).

Así es… las continuas mejoras en la interface gráfica de los juegos tiene consecuencias letales en el usuario, inconvenientes que los gamers de otras épocas también sufrían, pero por motivos ajenos al contenido del juego en sí (la mayoría se quedaba ciego ya sea porque le daban demasiado brillo a la TV o porque las teles antiguas eran muy pequeñas y tenían que situarse muy cerca de la pantalla). Hoy el mayor enemigo de la industria es que los jugadores están perdiendo la vista paulatinamente, aunque claro son responsabilidades compartidas ya que uno sabe muy bien a lo que se expone al colocar el disco en la bandeja de la consola. El dolor de cabeza no debería ser más que una advertencia silenciosa de que algo va mal, y pese a que los juegos no incluyen advertencias en sus carátulas, si revisas los manuales puedes verificar la amplísima gama de complicaciones a la salud que genera su uso prolongado.

Este problema no ha hecho más que empeorar con el cambio de las teles tradicionales 4:3 a las modernas 16:9. Los juegos ahora abarcan mucho más “espacio” que antes, y por ende las pupilas deben hacer más esfuerzo para desplazarse a través de la pantalla. Además aparecen demasiadas cosas al mismo tiempo, lo cual implica que las pupilas deben contraerse a una velocidad muy alta para satisfacer el exigente patrón de juego.

Mi vaticinio es que dentro de los próximos diez años veremos las primeras demandas de usuarios en contra de empresas de videojuegos por daños a la salud (de la misma forma que ocurrió contra las tabacaleras y los restaurantes de comida rápida), aunque faltarían otros cinco más para ver el primer fallo favorable. Como sea, esto recién comienza a ser “tema”, y primero tenemos que superar el asunto de los contenidos impropios antes de pasar al verdadero dilema de fondo (siempre me ha parecido interesante que las personas enfoquen las críticas a la industria en el nivel de violencia de los juegos, y no en el significativo hecho de que producen perjuicios graves a la salud de los niños).

El “shooter en primera persona” es el género en que más se nota lo anterior. Se trata de juegos caracterizados por disparar como loco a todo lo que se mueva, y en títulos como “Left For Dead” la cantidad de enemigos en pantalla alcanza cifras ridículas. El género tiene sus orígenes en el primer “Doom” y en el famoso “Wolfenstein 3D”, y ya en ese entonces terminabas con un dolor de cabeza espantoso al jugar un par de horas. Imagínense lo mismo pero como diez mil veces más cosas en pantalla… El desgaste ocultar es cosa seria.

El ser humano siempre se ha caracterizado por ser una especie masoquista y auto-destructiva, no por nada nos matamos lentamente con cigarrillos y saturamos nuestras arterias a diario con la comida rápida. Ahora lo que está de moda es hacer sufrir a nuestros ojos con los shooters, género que reina casi sin competencia en el mercado actual.

Año a año salen montones de “First Person Shooters”, e incluso franquicias famosas como RE y SH han dado el salto definitivo al sector, renegando del Survival Horror clásico en 3ra persona. Los más famosos son “Halo”, “Bioshock” y uno que otro simulador de guerras (hay varios), aunque de ese lote hubo uno en particular que cautivó mi interés.

Dead Space es un Shooter con ciertos atisbos de Survival, y la mejor forma de definirlo sería como una mezcla de RE 5 y SH 5… en el espacio.

Basta con jugar un par de minutos para darse cuenta de que tiene un parecido enorme con el Resident Evil 5. Desde la perspectiva del protagonista hasta la forma de usar las armas, casi todo funciona igual que en el juego anteriormente mencionado. Podríamos considerarlo sin problemas como un plagio descarado si no fuese por el pequeño detalle de que este juego salió un año antes del RE 5, casi al mismo tiempo que la quinta parte del Silent Hill.

¿Quién copió a quién? Nadie realmente. El género ya había sido trazado por el Resident 4 y todo lo que viene después no puede ser considerado como “original”. Lo único que podría criticarse es que las mínimas innovaciones que presentó el RE 5 ya se habían visto en el Dead Space, lo cual le resta mucha credibilidad al último eslabón en la saga de Capcom.

De Silent Hill sacó la ambientación bizarra y la forma de expresar la locura que envuelve a la “historia”. El juego parte cuando tú y el resto de la tripulación de una pequeña nave de rescate ingresan al interior de una lúgubre nave espacial a la deriva. No hay contacto con los supervivientes y las cosas no hacen más que empeorar cuando los motores de tu nave fallan y te vez imposibilitado de escapar, sin mencionar que la gran mayoría de tus compañeros han sido aniquilados por horrendas criaturas necrófagas.

Todo suena muy genial, pero al poco andar notarás un par de “cosillas” que pueden joder mucho a la larga.

-Lo primero que llama la atención es que el juego carece por completo de trama. Así es, transcurridos los diez primeros minutos introductorios las matanzas y los puzles sustituirán al tenue trazado de la historia que los programadores intentaron insertar desde un comienzo. Podría decir millones de cosas al respecto, pero creo que el mayor problema del Dead Space es que el protagonista no habla (así es, no dice una sola palabra en las 10 hrs promedio del juego), y es imposible decir qué lo motiva a seguir adelante. En teoría el personaje busca a una chica (posiblemente su amada), pero cuando la encuentra le da igual. En serio, pasa al lado de ella y ni siquiera se molesta en mirarla, es casi como si le importara una mierda su existencia. Si viajaste miles de años luz sólo para encontrarla, al menos… no sé, ¿podrías saludarla o algo? Llegados a ese punto la delgada línea argumental que aún conservaba la historia pierde todo propósito, por lo que la 2da mitad del juego se vuelve tan futil como incomprensible.

El protagonista es el personaje más plano jamás concebido en la historia de los videojuegos. Lo único que oirás salir de su boca son los “urgh” y “graww” de cuando presionas el comando de ataque, y su absurda carencia de motivación impide por completo sentir cualquier tipo de empatía con su persona. Su nombre es Isaac, y no es más que un estereotipo “por defecto” de personaje principal (fuerte, atlético, ingenioso, etc.), con la pequeña salvedad de que se les olvidó incluir dos cosas fundamentales en su disco duro: 1-La capacidad de cuestionar órdenes y 2- De razonar como un ser humano normal.

Isaac no piensa, obedece. Durante absolutamente todo el juego jamás incumplirá una orden. Da igual quién sea y de dónde provenga, la llevará a cabo con rapidez y eficiencia. Eso estaría muy bien si no fuese por el pequeñísimo detalle de que…Dios… ¡Estás en una jodida nave espacial repleta de criaturas que quieren matarte! ¿No crees que sería un poco más prudente escuchar de vez en cuando a tu sentido común antes de aliarte con los tipos más sospechosos del universo? ¡Por favor, seguro que pides permiso cada vez que vas al baño a tu superior jerárquico!

Por si aún no lo habías deducido, todo el juego se basa en cumplir los recados de tus molestos compañeros de desgracia, dícese: El general de la misión, una civil, un científico loco y una ilusión esquizofrénica que sólo busca guiarte a tu muerte. Cada uno de estos insoportables individuos hará lo humanamente posible para encargarte con todo el trabajo sucio que ellos mismos no tienen ganas de hacer. Salvo el científico loco del final (el único personaje tolerable), el resto de la pandilla intergaláctica no hará más que mangonearte a la distancia, mientras se encuentran muy cómodos detrás de un ordenador o en cámaras de seguridad aisladas.

Isaac es el recadero definitivo, y la aventura en sí consiste en ir de un lado al otro de la nave cumpliendo las misiones que te encargan tus “aliados”. Desde destruir asteroides hasta destrabar una puerta… a las pocas horas el juego se vuelve tan monótono que lo único capaz de motivarte a terminarlo son las magníficas secuencias que los programadores se curraron cuando Isaac es derrotado por sus enemigos. No tengo muy claro cuántas formas diferentes de morir existen, pero seguro que son unas 40 o más. Cada una perfectamente coherente con la situación y gore a más no poder. Una delicia visual que después de un rato suplanta a la trama como el motivo de peso para avanzar en la historia.

Los recados tienden a mezclarse con una sub-trama bastante ridícula que versa sobre una religión futurista repleta de chalados con los alienígenas, y veneran a una roca extraña como un símbolo divino. Con el tiempo esta rama divergente crecerá hasta convertirse en la línea argumental principal del juego (¿Qué la cosa no iba de rescatar a una chica o algo?), aunque aun así quedan millones de cabos sueltos y en general la historia es tan poco interesante -además de excesivamente cliché- que puedes imaginar todo lo que sucederá a continuación sin siquiera hacer el ejercicio mental respectivo. Jamás en la vida había visto un juego tan predecible como éste; da la impresión que ni siquiera intentan ser ingeniosos… Al parecer todas las ideas buenas se les fueron en los bonitos gráficos y en las alucinantes animaciones tras morir.

Una de las escenas más absurdas del juego ocurre cuando una pequeña nave de rescate se acerca a tu posición, pero es completamente aniquilada en cuestión de segundos por sólo una minúscula criatura que se había colado en una cápsula de escape. Así es, cientos de soldados armados hasta los dientes fueron derrotados por una criatura insignificante, siendo que tú puedes vencerlas sin siquiera sudar una gota con herramientas de construcción. Por si no fuera lo suficientemente patético la situación es incoherente, porque al monstruo sólo le toma 5 segundos llegar al centro de mando de la nave y forzarla a colisionar con la colonia. He visto miles de escenas absurdas durante mis experiencias como gamer (soy uno de los pocos que ha sobrevivido a efecto AITD 5 en PS2), pero jamás había sido testigo de una secuencia tan ridícula, incomprensible y nefasta con anterioridad.

Entre otras características negativas del juego destacan: Ausencia de pistas de audio memorables (la música no llama la atención, y eso es un pecado mortal en este tipo de juegos); Puzles demasiado simples (en realidad no hay puzles, sólo mover cosas de un lado a otro); el juego es demasiado fácil en nivel normal y hard, incluso aunque seas primerizo (te dan demasiadas municiones y objetivos curativos, además de que puedes comprar ítems ilimitadamente); 90% de la “trama” la deduces de la lectura de tediosos textos (esto no es necesariamente algo malo de por sí, el problema reside en que el material de lectura debería complementar la historia, NO ser la historia), y por último su nula rejugabilidad (algo normal en este género).

Sólo para no faltar a la verdad mencionaré que tiene algunos puntos buenos. Los gráficos son fantásticos (están dentro del promedio en esta generación, pero siguen pareciéndome asombrosos); consiguieron plasmar más o menos bien la “locura” que afecta a la tripulación (son sólo chispazos que duran pocos segundos y sólo ocurren contadas veces en el juego, pero debo darles crédito que en momentos logran dar repelús) y sin duda lo más destacable es el magnífico sistema de lucha que diseñaron (son poquísimas armas, escasa variedad de movimientos y una gama muy reducida de enemigos, pero por alguna razón lograron mantener el juego fluido en ese sentido. Nunca te aburres de los combates contra las criaturas, aunque al final todo se resume en matar a tus enemigos estando lo más lejos posible de ellos).

Es evidente para cualquier observador serio que el juego no es tan terrible como lo pinto, pero está clarísimo que tampoco es la gran cosa. Es un título promedio que no maravilla ni apesta, ¡pero sorpresa!, porque es considerado casi unánimemente como dentro de los 3 mejores juegos de 360 de toda la historia.

Sí… así es… Este absurdo shooter es -según la crítica especializada- lo mejor de lo mejor que tiene el catálogo de 360 para ofrecer. ¿Acaso esto no habla muy mal de los demás exponentes de aquella lista? Lo cierto es que me quedé sin palabras cuando entré a GameFaqs y vi que le dieron 8.9 de calificación final… ¡Se supone que esos tipos son serios en lo que hacen! ¿Acaso el mundo se ha vuelto loco, o yo soy el que tiene el sentido del gusto arruinado? Sólo para cerciorarme fui a Meristation… 90 puntos… MetaCritic, otra vez 90… Gamer Pro… ¡¿100 de 100?!

¡¿Qué demonios está pasando con esta generación de videojuegos?! ¡¿Cómo es posible que un título tan deficiente sea tan bien evaluado por los especialistas?! La verdad no tengo ni idea, y me aterra pensar que quizás (sólo quizás), el mundo tenga razón y yo sea el equivocado. ¿En realidad Dead Space es un BUEN juego? ¡¿Cómo diablos un título sin trama puede ser tan exitoso?!

Intrigado por respuestas me puse a investigar un poco más sobre este extraño fenómeno “Dead Space” que se cierne sobre la industria. Resulta que no sólo tiene una secuela, sino que también una precuela, un título entre versiones, ¡e incluso una cinta animada de hora y media de duración!

 Es muy probable que la elevada nota que tiene el primer juego de la saga no represente únicamente sus méritos individualizados, sino que engloba el éxito de la franquicia en sí (muchos títulos RE espantosos tienen calificaciones buenas por sólo tener el nombre “Resident Evil” encima… es algo así como una señal de prestigio).

Para comprobar mi hipótesis me hice con una copia del “Dead Space: Extraction” de Wii. ¡Menuda sorpresa me llevé cuando el protagonista habló! ¡Y no cabía de asombro cuando muere al poco iniciar el juego! Resulta que el personaje con el que comienzas no es el verdadero protagonista, sino que un desafortunado extractor que se ve envuelto en un frenesí psicopático y termina asesinando a sus compañeros. Sin duda una forma muy ingeniosa de iniciar la aventura.

Pese a estar para una consola muy inferior gráficamente (y en teoría más enfocada en los niños) Extraction es un título la mar de divertido, además de que profundiza mucho más en aquella sub-trama que mencionaba del Dead Space original. Los personajes no sólo hablan, sino que también interactúan “físicamente” entre sí. El prota no se limita a aceptar órdenes, planifica cuál es la mejor estrategia a seguir y frecuentemente se opone a las ideas suicidas de sus compañeros (Isaac tiene mucho que aprender de este tipo). También sus reacciones son mucho más realistas (se asusta, grita, amenaza con disparar si es necesario… en fin, las cosas que haría una persona NORMAL en esas circunstancias), además de que plasmaron muchísimo mejor la locura que afecta a los tripulantes (la escena donde muestran a la nave en un frenesí genocida no tiene precio). Mi aspecto preferido del juego es que la trama avanza por sí misma, y los textos que encuentras sólo sirven para profundizar un poco más en la historia. Es bastante asombroso, pero lograron mejorar la inmensa mayoría de los apartados negativos de su predecesor.

La película tampoco está nada mal. Se llama “Downfall”, y tiene lugar en la misma línea cronológica del Extraction. La trama es muy divertida; complementa a la perfección los acontecimientos del primer título y desarrolla bastante bien la sensación de “agobio” que oprime a los personajes. La animación también es buena, además de que no presenta incoherencias con la historia principal. Es una gran introducción al juego.

Una de las cosas que descubrí mientras jugaba el Extraction y tras terminar con Downfall es que la trama base de la franquicia tiene bastante potencial. En el primer juego está realmente jodida y no hay mucho que decir al respecto, pero sus predecesores se encargaron de pulir las rugosidades. El resultado es una historia interesante, no maravillosa y algo cliché, pero sí bastante grata. En el Dead Space original no se nota mucho ya que apenas hay sobrevivientes, pero la forma en que se expresa la “locura” de la tripulación es fantástica. Más que los ataques alienígenas, a mí parecer el encanto de la saga reside en ver cómo los personajes paulatinamente comienzan a enloquecer. Lo vimos en forma magistral en el Extraction y algo matizado en el Downfall (la peli se enfoca más en la lucha contra las criaturas), pero en la primera entrega apenas queda de manifiesto. Supongo que hubiese quedado mucho mejor si el protagonista se expresara como un ser humano común y corriente, pero si es por especular podríamos hacerlo todo el día.

Dead Space es al mismo tiempo un pésimo juego y una franquicia fantástica. Los programadores supieron enmendar sus fallos y el resultado no está del todo mal, pero me emputece que los éxitos de la saga sean monopolizados por el primer título, siendo aquel el eslabón más débil de todos.

Conclusión

Odio los shooters. El mercado está plagado de ellos y cada día que pasa miles de incautos deterioran su vista en forma permanente mientras les juegan. También odio que malos títulos sean tan exitosos, y me atemoriza pensar que dentro de unos cuantos años “Dead Space” puede volverse la norma estándar en las producciones. Dícese, juegos sin trama ni sesos, pero con mucha acción y muertes por montones.

Tengo una segunda teoría para explicar la razón por la que este juego está tan bien posicionado en las listas más prestigiosas del mundo (la primera apunta al éxito de la saga en su conjunto). Creo que las personas que evaluaban los juegos hasta la generación PS2-GC no son las mismas de hoy en día. Los parámetros de medición han cambiado, y la industria experimenta un crecimiento sin precedentes. El enfoque de las compañías hace mucho que dejó de ser el mismo, y ahora esa “pasión por hacer un buen juego” ha sido sustituida por la obligación que tienen los programadores del “éxito forzoso”. Un buen programador no es el que hace buenos juegos, sino aquel que consigue vender más copias. Y mientras venda da igual si el juego es bueno o no.

Los gamers de antaño nos estamos quedando obsoletos. No hemos sido capaces de adaptarnos a las nuevas generaciones y sólo muy pocos han conseguido dar el paso PS2-PS3 con éxito. Las personas que evalúan al Dead Space no son las mismas que en su momento rankearon al Resident 2. La escala es distinta, las formas y procedimientos también. De hecho, creo que es un error analizar este tipo de juegos mediante la misma óptica con la que analizo títulos de PSX. Los parámetros simplemente no coinciden.

¿Por qué molestarme entonces? Mi idea nunca ha sido pregonar verdades absolutas ni nada de eso, sólo busco verter una opinión distinta a la tradicional. Al ser de la 2da generación no estoy tan rallado como los Nintendo-boys, lo cual me da una privilegiada posición intermedia para servir como observador semi-imparcial.

La razón por la que el Dead Space ha sido tan bien evaluado no responde a sus propios méritos ni a los de su franquicia propiamente tal, sino que sólo se explica por una manifiesta negligencia de los gamers de antaño. Se rindieron con esta generación -así de simple- y les han privado a los nuevos gamers el acceso a valiosos conocimientos con la potencialidad de cambiar las bases mismas de la industria tal como la conocemos. Las listas de juegos no sólo les sirven a los jugadores para escoger títulos, también son utilizadas por los programadores para enfocar su trabajo en las áreas más populares. Es fundamental que se construyan sobre bases sólidas, y dejarles la decisión a los nuevos jugones (cuya primera consola fue el XBOX o el PS2) constituye un despropósito bestial.

Eso es todo por hoy. Este año he escrito muy poco, pero todavía sigo activo y no pienso retirarme en un buen tiempo. Esperen actualizaciones durante los próximos días. Adiós.

El otro día estaba conversando con mi amigo Roa acerca de juegos, cuando se me ocurrió recomendarle que hiciera un review o análisis de Crash Bandicoot. La respuesta que él me dio fue impactante: “Conozco el juego, pero nunca me atrajo realmente”. Yo pensaba, “¿Cómo es posible que a una persona tan familiarizada con el mundo videojugabilístico no le haya atraído Crash Bandicoot, el  marsupial más carismático y uno de los mejores juegos de plataformas de todos los tiempos?”. Esto sin contar el hecho de que es la mascota no oficial de Sony y la más querida por el público según encuestas. En vista de eso, y luego de charlar un rato él, decidí hacer este artículo donde hablaría del que ha sido uno de los mejores y más divertidos títulos que he jugado (y sigo jugando de vez en cuando) y uno de los primeros que me inició en este mundo tan fantástico de los videojuegos 3D.

Empecemos hablando de la historia del personaje en cuestión: Crash es un Gunnii que vivía en la isla de N. Sanity al sur de Tasmania. Fue elegido junto con muchos otros de su especie para formar parte de un siniestro plan para dominar al mundo. La persona que estaba dirigiendo este plan era un malvado enano cabezón llamado Dr. N. Cortex (y ayudado por el Dr. Nitrus Brio), y su idea consistía en hacer evolucionar a estos marsupiales para que obtuviesen destrezas físicas superiores e inteligencia. Esta evolución se lograría a través de una máquina llamada “Rayo Evolvo”, y los Gunnii evolucionados serían controlados mentalmente con un “Cortex” y enviados a hacer desastres en la Tierra. De esa forma N. Cortex dominaría el mundo y Crash sería el líder de estos marsupiales evolucionados, pero el plan no salió como debía; Crash se resistió al control mental y comenzó a correr y hacer desastres en el laboratorio de Cortex y Nitro Brio. Por accidente se cae por un precipicio desde la ventana del castillo (el laboratorio estaba en un castillo); el agua de la playa lo arrastra hasta la orilla y es allí donde empieza el primer juego de la saga.

Durante su aventura Crash sería ayudado por una especie de máscara llamada Aku Aku, y en entregas posteriores por su hermana Coco y su mascota Polar.

La mecánica del juego es muy sencilla pero atrapante a la vez: Consiste en ir avanzando por los escenarios del nivel mientras destrozas cajas. Estas cajas tienen dentro manzanas las cuales se van sumando. Al llegar a 100 obtienes una vida extra aparte de las 3 que te dan inicialmente, y también debes derrotar a los enemigos que pueden ser de muchos tipos: Desde pequeños animales en la jungla, pasando por algunos animales aéreos como murciélagos u otros como plantas venenosas. Animales con pinchos, hombres con escudo (cada uno de estos enemigos están llenos de mucha originalidad y humor)… También debíamos atravesar los obstáculos, ya fueran los típicos precipicios, pero también zonas con pinchos, ruedas que iban de un lado a otro, paredes que entraban y salían a la zona de juego, plataformas que se activaban temporalmente, pilares que subían y bajaban, zonas pegajosas y otras móviles… (la creatividad de los niveles es su punto fuerte).

Además si recogemos 3 figuras perdidas en el escenario entrábamos a un bonus en el que debíamos romper más cajas pero situadas de forma estratégica, de forma tal que había que pensar muy bien donde pisar antes de romper, y -como no puede faltar en ningún buen juego- un jefe final poderoso (bueno… son poderosos al inicio, pero son bastante sencillos cuando encuentras la mecánica que debes usar, aunque no siempre sale bien XD).  Los enemigos que derrotas en esta entrega son Papu Papu, Riper Roo, Koala Kong, Pinstripe Potorro, Dr.Nitrus Brio, y finalmente combate contra el Dr. Neo Cortex. Además habían niveles muuuuuy dinámicos de persecución, niveles donde te montabas en un cerdo y pasabas el nivel con él, niveles donde la cámara estaba en forma “2D”… es un juego magnífico para su época.

Volviendo al tema de las cajas, éstas a veces pueden darte vidas directamente o una máscara Aku Aku. Las máscaras te ayudan a evitar morir por golpes de trampas, animales o jefes de nivel, pero no siempre es tan sencillo: el número máximo de máscaras que puedes tener es de 3. Con una máscara te libras de un golpe (cabe destacar que mueres de 1 golpe, es decir, no puedes fallar con ninguna trampa y/o animal o jefe de nivel, debes hacer todo perfecto), con 2 máscaras te salvas de dos golpes y con 3 te conviertes en una máquina de matar invencible, inmune a cualquier ataque y/o trampa, además de tener el efecto de aumentar la velocidad de movimiento durante un muy corto período de tiempo, pero bastante aprovechable.

Algo que hay que destacar en este juego es el humor, ya que Crash Bandicoot se ha caracterizado siempre porque sus juegos estuvieron llenos de mucho humor y de personajes carismáticos. Las muertes de Crash, y de los jefes, la forma en que se desarrollan algunos niveles, las expresiones, etc., siempre te sacan una sonrisa, en especial el final del Crash Bandicoot 3: Warped, pero ya les hablaré mas delante de él.

Ahora hablaremos de las pistas de audio y las gráficas: la banda sonora es sublime (IMO). El primer juego estuvo lleno de músicas ambientales “indígenas”, los sonidos de los animales no eran lo mejor del mundo pero las voces eran perfectas, al igual que los sonidos de los golpes y las canciones en momentos rápidos (por ejemplo, hay un nivel donde te montas en un cerdo y éste empieza a correr mientras tú estás arriba. Antes de montarte en el cerdo hay una música normal, pero cuando te montas sobre él suena una música granjera XDDDDDDDD), y por supuesto a partir de este juego conoceríamos la canción que caracteriza a Crash Bandicoot (Puedes escucharla aquí)

Ahora el tema de las gráficas que, en mi opinión, son excelentes para su época. Las expresiones de las caras son geniales, pero lo mejor de todo sin duda alguna eran los escenarios perfectamente diseñados, muy coloridos y variados, donde te puedes encontrar todo tipo de cosas nuevas así pases 200 veces por el mismo lugar. No sólo gozaban de unas gráficas “bonitas” para su tiempo, sino que además tanto la suavidad de los movimientos como los cambios de expresiones estuvieron muy bien controlados.

Al final del primer juego Crash derrota a N.Cortex y salva a una Gunnii llamada Tawna. En realidad Crash no era muy listo y se embarcó en todo un viaje de aventuras, sudor, lágrimas, peligros y risas por una chica y salvaría al mundo sin darse cuenta.

Al final de cada nivel te dan cristales. Son la fuente de poder de todas las malévolas máquinas del Dr. Neo Cortex y tu misión es reunirlos. También te dan gemas especiales si completas ciertos retos de nivel, como por ejemplo romper todas las cajas, pasar el nivel en un tiempo determinado, etc., sin embargo esto se vería más desarrollado en el segundo juego.

La primera entrega fue un fenómeno mundial y Crash rápidamente se hizo muy popular. Una secuela vería luz en 1997. De nombre Crash Bandicoot 2: Cortex Strikes Back, presentaba muchas mejoras respecto al original y también una trama totalmente distinta.

El apartado gráfico se vio mejorado ligeramente y se mantuvo todo lo que hizo a la primera entrega tan exitosa, el humor, los pintorescos, imaginativos y excelentes escenarios de nivel así como también la mecánica del juego y por supuesto pensaron nuevos retos, trampas y formas de pasar los niveles, de manera que el juego no se hiciera más de lo mismo.

Uno de los principales problemas que el Crash Bandicoot original tenía era que su rejugabilidad era nula, a menos que te hubiese gustado mucho el juego (mi caso) y te lo quisieras volver a pasar, pero en sí no ibas a ver nada nuevo. En Crash Bandicoot 2 ese problema fue resuelto. Los chicos de Naughty Dog hicieron su tarea y agregaron retos “post-game” para alargar la vida del juego. ¿Recuerdan lo que les dije de los cristales? En este juego el reto MÁXIMO (después de pasar el modo historia) consistía en reunir todas las gemas, reliquias, etc., y con eso liberabas imágenes y videos alternativos u ocultos (generalmente con este método desbloqueabas el verdadero final del juego). Para lograrlo primero debías terminar el juego, luego debías pasar todos los niveles destruyendo todas las cajas, incluyendo las de los bonus, y finalmente debías pasar todos los niveles en un tiempo determinado o menor. No era una tarea sencilla y muchos (incluyéndome) nos enviciamos tanto en este juego al punto de lograr tal hazaña.

Hablemos de la historia de la secuela y retrocedamos un poco, cuando pasamos el Crash Bandicoot 1. El final de la historia es: Crash salvando a la chica sexy y Neo Cortex explota y sale volando. Ahora al iniciar el segundo juego se descubre que Neo cortex salió volando pero cayó en una cueva llena de cristales morados (sí, los que dan la energía a sus máquinas locas) y empieza a construir un Vortex para lanzar un rayo a la tierra y así controlar el mundo. Crash estaba en la playa durmiendo (como siempre) cuando su hermana Coco le dice que haga algo productivo y le consiga unas baterías nueva para su laptop. Crash sale en busca de ellas y durante el viaje entra, accidentalmente, en una especie de teletransportador que lo lleva a un “warp room” (cuarto de tele-transportación). En ese momento, desde una cámara transmisora, aparece Neo cortex y le dice a Crash que le consiga 25 cristales para salvar al mundo. Acto seguido Nitrus Brio interrumpe la transmisión y le dice que le consiga unas gemas preciosas (42) y 5 cristales de colores para construir un rayo y destruir el vortex. Enseguida Coco interrumpe nuevamente la transmisión y le dice a Crash que Cortex sólo quiere los cristales para construir un nuevo vortex y con él conquistar el mundo.

El resultado de este juego fue excelente, sobretodo en jugabilidad. Si estabas en hielo era difícil moverse porque resbala, puedes montar osos polares, se redujo la dificultad y se puso en modo progresiva, es decir, primeros niveles fáciles… últimos niveles bastante complejos. Ahora Crash puede realizar nuevos movimientos como deslizarse, arrastrarse, saltos más grandes y panzazos. Además puede engancharse e incluso en algunos niveles hasta vuela mediante un propulsor. También puede surfear y conducir una lancha.

La música fue muy parecida al primer juego la cual acompañaba bien al nivel (yo soy fan de la música retro de los juegos, sobre todo la de Battletoads).

Siendo sincero este juego es el que menos me gusta de la saga, aun así es muy bueno. Saltando un poco los tecnicismos, vayamos de una vez al final.

Crash logra reunir los 25 cristales, pero N. cortex los roba y Crash lo persigue con un propulsor a través de un circulo de asteroides para recuperarlos. Si consigues todas las gemas y cristales puedes ver el verdadero final, el cual es un video hecho con el motor gráfico del juego, donde vez a Nitrus Brio destruir el Vortex con Crash y Coco.

Ahora es el turno del juegazo entre los juegazos, el Crash Bandicoot 3: Warped. Este juego es la obra maestra de los Crash Bandicoot (que ya es mucho decir). Mejora todo lo que había en el 2; los escenarios son MUCHO más diversos y mejor planeados que antes, el humor de las muertes es llevado a un nuevo nivel, los enemigos son más poderosos, la dificultad progresiva de los niveles es optimizada, en fin, es UN JUEGAZO que todos deben disfrutar y uno de mis favoritos de plataformas de toda la vida.

La historia de este juego empieza con el final del juego pasado. N. Cortex cae junto con el vortex en una extraña cueva en las islas de Tasmania y libera a un ser maligno llamado Uka Uka. Cuando Aku Aku se percata de lo que acaba de pasar llama a Coco y a Crash y les dice que Uka Uka es su hermano maligno y que deben detenerlo a toda costa.

Mientras tanto Uka Uka se ha aliado con N. Cortex para conquistar el mundo y Cortex le explica que no ha podido hacerlo aún debido a que un marsupial evolucionado que él mismo creó no lo ha dejado. Uka Uka le dice a Cortex que la conquista del mundo es segura, porque él ha contactado a un aliado poderoso. Se trata de N. Tropy, el malvado señor del tiempo…Posteriormente Aku Aku le dice a Crash y a Coco que deben reunir nuevamente los 25 cristales, y además gemas y reliquias para poder detener los planes de N.Cortex y Uka Uka (ya me estoy enredando con tanto Aku Aku, Uka Uka, Koko Koko xDDDDD), y para esto deberán ir a 5 épocas diferentes que Cortex ya ha dominado. Como podrán darse cuenta la historia para 1998 era muy original (casi una fumada xD). La primera época que visitas es la medieval-prehistórica, donde podrás ver caballeros, rana, cabras, dinosaurios, etc. ¿Recuerdan que les hablé acerca del humor de las muertes? En esta época hay una parte donde está una rana saltando (primer mundo) y si te toca, te besa y se convierte en príncipe y tú te vuelves la rana xD. La segunda época es la Árabe, la tercera época es la China antigua, la cuarta época es el futuro y la quinta época es la egipcia (N.cortex se quiere tanto que modificó todas las esfinges para que tuvieran su cara) con una mezcla de todas.

Vamos por orden. En la primera época, luego de pasar todos los mundos (incluso hay un mundo bajo el agua), debes luchar contra Tiny Tiger el cual es un tigre creado por el Dr nitrus Brio, extremadamente musculoso y fuerte. Crash lo derrota y pasa a la siguiente época, la Árabe, donde se pueden ver serpientes, faraones dentro de cofre, etc. Al finalizar las misiones peleas contra Dingodile, un cocodrilo evolucionado y piro maníaco que tiene nada más y nada menos que un arma que dispara bolas de ácido, las cuales debes evitar mientras encuentras el momento ideal para pegarle. Cabe destacar que estas bolas de ácido poseen patrones variados y difíciles de eludir si no estás acostumbrado. Posteriormente pasamos a la época de la China antigua, que además se mezcla con otras épocas diferentes. Al final de este nivel nos encontramos con el malvado N.troppy, el cual es un enemigo algo difícil de derrotar. Estamos parados en una plataforma que cambia constantemente sus partes (de hecho se caen) mientras N. Troppy te tira rayos que te dejarán frito como un Nacho si te dan, y además debes encontrar el momento exacto para pegarle o adiós xD. Ah, sí, se me olvidaba, al derrotar a los jefes finales obtienes nuevos poderes. Cuando vences a Tiny Tiger consigues saltar más alto, cuando derrotas a Dingodile… no recuerdo que mejora ganabas, pero ustedes entienden mi punto xD. Al vencer a N. Troppy obtienes el poder de dar muchas más vueltas con el giro mortal de Crash.

Luego pasamos a la época futurista donde veremos a uno de los enemigos más difíciles a los que se ha enfrentado Crash, el Dr N. Gin. Este doctor es enano y casi muere en un accidente, pero debido a su talento logró desarrollar una especie de tumor de metal que le permite vivir y además ha construido un robot que te dará muchos, muchos problemas… dispara cohetes, bombas, vuela… es un muy difícil enemigo. Al derrotarle este robot explota y obtienes la capacidad de disparar un cohete XD.

Posteriormente llegas a la quinta época, donde se mezcla todo lo más difícil de las anteriores y multiplicadas x2. Hay un nivel donde entras en una pirámide, que está TODO OSCURO Y NEGRO, no vez NADA, y debes agarrar unas polillas luminosas que te duran unos 15 ó 20 segundos, y si se te va antes de que llegues a donde está la otra todo se oscurece, no verás nada y seguramente morirás. El final es una pelea doble Uka Uka vs Aku Aku y Crash vs Cortex, y al ganar ves el final donde el rayo del tiempo es revertido haciendo que N. Troppy y Cortex se vuelvan bebés y se pelean por ver quién se queda con Uka Uka (esto sólo lo puedes ver si has conseguido todas las reliquias, gemas, etc.).

Los niveles en este Crash son extremadamente variados: tienes bajo el agua, dentro de un volcán, huyes de dinosaurios, hay un nivel de carrera de motos, otro donde debes derribar aviones, en China te montas en un tigre, los escenarios del futuro son alucinantes y los egipcios también. Por si fuera poco un nivel donde debes usar a Coco en una moto acuática. Los chicos de Naughty Dog realmente hicieron una obra maestra con este juego.

La jugabilidad es muy parecida a la de los otros juegos, pero se vuelve desafiante el tener que adaptarse a las diferentes épocas y diversidad de enemigos y trampas que van desde ranas, caballeros, magos, robots, etc. El sonido es el mejor de todos los Crash sin duda, además de tener una de los mejores set list retro de la historia. El punto más flojo del juego y que sin embargo me parecen bastante decentes son las voces de los personajes, aunque Neo Cortex, Uka Uka y Aku aku son excepcionales. El apartado gráfico es un deleite a la vista, todo se mueve con una suavidad envidiable y los escenarios están diseñados de una forma genia. Lo más destacable son las fases submarinas en las que seremos testigos de cómo el agua hace que Crash se tenga que adaptar a unas nuevas condiciones establecidas. También sobresalen las fases en las que usaremos a Coco Bandicoot, Su moto acuática produce múltiples efectos como las salpicaduras y ondulaciones. En definitiva, un elemento que ha sido llevado a cabo de manera excepcional.

Las muertes de Crash son excepcionales a la par que variadas.  Si tocamos la lava saltará por los aires carbonizado gritando una y otra vez. Otras muertes destacables son cuando surge el fantasma de Crash con los brazos cruzados y cuando le cortan los pantalones, quedando en trapos menores y por consiguiente marcharse avergonzado, o cuando le pega un cohete y explota y del cielo caen sólo sus zapatos.

Posterior a este juego Naughty Dog sacó un Crash más, el Racing, pero no vale la pena incluirlo en la saga que estoy redactando (además el artículo que ya de por sí es largo, lo sería aún más -_-), luego de eso el juego pasó a manos otras compañías como Eurocom / Traveller’s Tales / Vicarious Visions y más adelante Radical Entertainment / Dimps / Sierra Entertainment. A partir de allí los juegos bajaron muchísimo el nivel; el humor que se mostraba se fue perdiendo, los movimientos de nueva generación no le vinieron muy bien a Crash y la esencia como tal se perdió, sin embargo los tres primeros juegos siempre serán recordados como clásicos de la PSX y de los videojuegos en general. Crash se ganó su lugar como uno de los juegos más influyentes de la historia en el ámbito de las plataformas y un bien merecido lugar como la mascota de Sony (aunque no oficialmente, más que nada apodo de millones de fans).

Para concluir debo decir que Crash es uno de mis juegos favoritos de toda la vida, y aquellos que lo disfrutaron espero que se queden conformes con el artículo que he redactado y se sientan identificados conmigo como fan de este carismático marsupial. Saludos y espero redactar otro artículo para el blog de mi buen amigo Roa pronto.

El fansubing es una actividad ilegal duramente cuestionada por los grupos de presión japoneses.

El usuario promedio (desde ahora en adelante “leecher”, es decir, aquel que sólo descarga capítulos sin participar en el proceso de producción) desconoce que el fansubing hace mucho que dejó de ser “por fans y para fans” como decía el adagio popular. Nada de eso; hoy en día los grupos que se dedican a la no-tan-noble tradición de traducir y encodear series japonesas abandonaron ese supuesto desinterés que motivaba a los próceres para participar en una actividad tan poco apreciada por la comunidad.

A lo largo de este extenso artículo daremos un repaso histórico en busca de respuestas al panorama tan decadente que se vive en la actualidad, para lo cual haré uso de ciertos conceptos bastante técnicos que quizás sean desconocidos por el lector. Esta entrada puede transformarse en una valiosa fuente de información para aquellas pobres almas interesadas en participar en alguno de estos grupos (¡recapaciten, todavía hay tiempo!), o también para el común de los mortales curiosos por conocer un poco más de cómo funcionan las cosas tras bambalinas. Por si desconoces algún término he habilitado la siguiente sección para ayudarles con definiciones y cosas por el estilo.

Progresión Histórica

La historia de fansubing está estrechamente vinculada al auge del internet como herramienta doméstica: Nos dio la posibilidad de ver series y películas en alta calidad sin tener que esperar meses o incluso años para que la pasaran por televisión o fuera comercializada en nuestros respectivos países.

Los primeros de estos grupos crecieron en el ceno de los “chats” P2P, antecesores de las actuales “descargas directas” donde en vez de bajar cosas directamente desde un servidor gigante interactuabas con seres humanos de carne y hueso. Por aquellos días el fansubing era una actividad muy exclusiva, hasta el punto en que algunos foros IRC eran cerrados al público general y sólo se podía descargar con la autorización explícita del grupo proveedor.

Es gracias a Horrible Subs (indirectamente a Crunchy Roll) que tres cuartos del fansubing hispano se mantiene en funcionamiento.

Hoy el día las cosas son muy distintas: Los foros P2P siguen vigentes pero han cedido terreno frente a los servidores de Descargas Directas (“DD”) como MU o RS, lo cual ha facilitado muchísimo la expansión de este tipo de actividades y le ha costado aquella sudo dicha “exclusividad” que tanto pregonaban nuestros antecesores.

Las DD tienden a ser descargas mucho más cómodas y rápidas, donde no dependes de la buena voluntad de nadie y la posibilidad de descargar archivos infectados es mucho más baja. Por el contrario, los “torrents” son dependientes a la cantidad de “Seeders” o “Semillas” que tenga el archivo, y si no hay nadie interesado en compartir sus semillas la taza de velocidad será muy baja. Al final todo se basa en una relación de confianza y apoyo mutuo en aras de un objetivo común. Éste es el punto clave del fansubing tradicional y de aquí saldría el famoso lema “por fans y para fans, no vender ni alquilar”.

Asuntos Legales

Es de conocimiento general que la actividad realizada por los fansubs es contraria a las leyes de propiedad intelectual de la inmensa mayoría de los países y un número no menor de mangakas y editoriales japonesas se han opuesto a este método de proliferación de sus respectivos trabajos. Año a año el fansubing y scanlation le reporta millonarias pérdidas a la industria y muchas legislaciones han comenzado a presionar con fuerza. En Japón colgar episodios en la web es un delito muy grave (a estas personas se les conoce como “proveedores” y sin ellos los fansub no podrían trabajar) y en Norteamérica ya se han realizado los primeros arrestos masivos a quienes descargan este tipo de material (aunque sean meros leechers). En España acaba de aprobarse la cuestionadísima “Ley Sinde” de propiedad intelectual que amenaza con causar un daño enorme al sector, y no falta mucho para que iniciativas similares se propaguen por el resto del globo.

En el pasado un modo habitual para excusarse de cometer faltas contra las leyes de copyright era pregonar la ausencia de intereses monetarios de por medio. Al ser una actividad sin fines de lucro podía pasar como una labor inofensiva, e incluso funcionar como excusa absolutoria al actuar sin dolo, dícese, sin deseos de hacer daño ni de enriquecerse con ello.

Hoy en día las cosas no funcionan de ese modo: Con la proliferación de las Descargas Directas y la posibilidad de optar por jugosos premios en dinero, el fansubing hispano (a diferencia de los yanquis) se ha convertido en un antro de corrupción sin límites, donde es casi imposible encontrar a un grupo que haga las cosas sin obtener nada a cambio.

Megaupload da pequeñas fortunas por colgar archivos de bajo peso en sus servidores.

El principal instrumento del que disponen estos grupos para conseguir dinero es colgando sus releases en servidores especiales que te premien en efectivo si obtienes un número obsceno de descargas. Uno de los más conocidos es Megaupload, ya que recompensa con un punto por cada descarga de archivos menores a 100 mb y es posible duplicar tu puntuación si eres usuario vitalicio. El premio más gordo al que puedes optar consiste en nada más ni nada menos que US 10000$, una pequeña fortuna para cualquier persona. Un encoder aplicado podría conseguir el premio 2 veces por año, y ya con eso no necesitaría trabajar nunca más en la vida.

Conseguir los puntos exigidos para canjear el premio mayor no es tarea fácil. El primer inconveniente que debe surcarse es el requisito de peso de los archivos, no superior a 100 mb. El peso habitual de un capítulo de anime excede sin problemas los 150mb en 420p (explicaré el lío con las resoluciones más adelante), pero los “encoders” son muy astutos y han conseguido sortear las dificultades gracias  a las conocidas “versiones ligeras”, reduciendo la calidad de los capítulos en forma bestial y transformando al fansubing contemporáneo en un rubro laboral muy competitivo.

Fileserve es el hoster que más dinero suelta por descargas.

Versiones Ligeras: El cáncer del anime

Las versiones ligeras (VL) son el principal motivo de la decadencia en el sector. Se trata de encodeos de muy baja calidad que supuestamente están pensados para aquellas personas con problemas de banda, pero que en realidad son una forma excelente de hacer negocios a costa de la ignorancia de los leechers.

Pese a que la inmensa mayoría de los fansubs hace sus propias versiones ligeras y cada uno de estos grupos son culpables del declive moral del sector, en realidad quienes mayor daño le hacen al sistema son encoders solitarios que hacen fortuna robando el trabajo de otros grupos, reduciendo el peso de los archivos y volviéndolos a subir en servidores afines a sus intereses.

Este tipo de encoders sin escrúpulos harán lo que sea necesario para aumentar sus ganancias, aunque eso signifique atentar contra el mismo fansub al que le roban los releases. Una de las prácticas más frecuentes es la de “denunciar” links de los fansubs “proveedores” para que así los leecher no tengan más opción que descargar las versiones ligeras. Muchos grupos famosos (Kurotsuki, sin ir más lejos) han sido forzados a dejar el fansubing debido a lo desolador que debe ser ver tus links siendo eliminados a las pocas horas de subir un episodio. Esto es la pesadilla de los grupos honestos y la razón por la que muchos han sido forzados a sacar sus propias VLs, ya que son sencillas de resubir y los leechers se tiran como zánganos a devorarlas.

Por si pensabas que era imposible que los encoders de ligeras cayeran más bajo, últimamente está de moda robar las VL de otras personas y resubirlas como si fueran tuyas, sin siquiera cambiarle una coma y denunciando los links del tipo que originalmente robó el capítulo para encodearlo de nuevo. He aquí el colmo de los colmos, y más triste aún es que los leechers -a sabiendas de todo esto- siguen fomentando los hurtos y apoyando estas “nobles” prácticas. Si estás interesado en profundizar al respecto te recomiendo el siguiente tema, en donde es posible apreciar con lujo de detalles la pestilencia que rodea a este tipo tan particular de versiones.

A los fansubs muy mediocres y sin una pisca de amor-propio se les conoce como "Perrys".

También se critica mucho que los encoders de ligeras le coloquen a sus versiones “HD” o “FullHD” si se es lo suficientemente pedante. Con HD nos referimos a “High Definition”, y siguiendo la norma estándar de los televisores se encuentra situada en la resolución 720p. El Full HD es la calidad de los Blue Ray y coincide con los 1080p (la mayor calidad de video en la actualidad). A mayor calidad mayor peso, y un FullHD muy difícilmente pesará menos de unos cuantos gigas, mientras que las versiones en 720p oscilan los 300 mb. En otras palabras, es absolutamente imposible encodear HD en menos de 100 megas, y pillar una versión ligera en 1080p es una broma de mal gusto.

Situación del Fansubing y Scanlation Hispano

Por si no lo sabías, a los grupos que trabajan mangas se les llama “scanlation” y a los de anime “fansubs”. Tanto el fansubing como el scanlation hispano dependen íntegramente de lo que hagan -o no hagan- los norteamericanos, ya que 99% de estos grupos utilizan las traducciones, limpiezas, type-settings y mkvs de los gringos para trabajar. Sólo un mísero 1% cuenta con traductores versados en japonés, y más raro aún es pillar a un fansub que no utilice el material de libre disposición dejado por los yanquis y realice todas las fases por su cuenta.

Pese a que dependemos de los gringos hasta la médula, el mundo del scanlation hispano poco a poco ha logrado cierta independencia del “Big Daddy” y es posible pillar muy buenos trabajos si se es lo suficientemente paciente. Por cada grupo de scanlation podemos encontrar 5 fansubs, lo cual significa que el espectro de lectores de mangas es infinitamente menor al de espectadores de anime, y por ende encontramos muchas series excelentes que son llevadas por grupos en solitario, lo cual permite a los scanlation especializarse en proyectos y mejorar significativamente la calidad de los releases. No negaré que hay muchos grupos basura y casi todos trabajan usando limpiezas robadas, pero aun así las cosas no pintan tan mal como en el anime, y justamente eso es lo que veremos a continuación.

El panorama del fansubing en Estados Unidos es muy diferente al de nosotros. No existen versiones ligeras (se trata de un fenómeno local) y comienzan a consolidarse los primeros sitios pagos, en donde puedes conseguir capítulos online cancelando una cuota y beneficiando directamente al mangaka o estudio productor del anime (a mi parecer el futuro de la industria). Los gringos son muy reacios a realizar “hardsubs” de sus capítulos (pegar los subtítulos al video mediante encoding) y prefieren utilizar el formato de video mkv. Está de más decir que el mkv es la piedra angular del fansubing hispano ya que permite extraer los subtítulos traducidos, editados y timeados, facilitando infinitamente la labor de estos grupos.

He aquí un error clásico de los Perrys. Con las prisas no se hacen correcciones y pasan cosas como éstas.

Por alguna razón extraña los hispanos nos hemos vuelto adictos a los avis y mp4s (es decir, a las versiones hardsubs). Aunque el mkv 720p tenga una calidad altísima y para imitarla es necesario hacer avis de mucho peso y mp4s que tardan siglos en encodearse, el leecher promedio tiene una especie de manía contra los mkv y evita al máximo descargarlos. Por si fuera poco a los fansubs tampoco les gusta usarlos porque es muy fácil robar las traducciones y es mal visto por la comunidad (a los grupos que los usan se les acusa de “flojos” por no encodear).

Otra diferencia con los gringos es que ellos son muy asiduos a los torrents y descargas P2P mientras que los hispanos prefieren abiertamente las DD, fomentando así el ánimo de lucro en la zona. Pese a todas las virtudes que poseen los P2P tendemos a rechazarlas abiertamente, sin siquiera darle oportunidad.

Ligado a lo anterior se puede ver que los yanquis son muy exclusivos con los proyectos y es rarísimo pillar a dos grupos trabajando una misma serie, al contrario de aquí donde existen cientos de fansubs inútiles sacando “One Piece”, “Naruto” o “Bakuman”, muchos de los cuales son de una calidad infumable y sólo durarán un par de episodios antes de desaparecer. Debido a todas las facilidades que nos dan los gringos para trabajar casi cualquier persona puede hacer una versión de anime en cuestión de horas y conseguir unas cuantas miles de descargas gratuitas si lo cuelgas de los primeros en macro-sitios como mcanime, donde son muy permisivos con estos grupos y los leecher se lanzan eufóricos encima de la versión que salga antes, aunque haya sido “traducida” por personas sin conocimiento alguno del inglés usando algunos de los múltiples programas que convierten texto de un idioma a otro instantáneamente (las infames “google-trans”).

También reprobamos con números rojos en ortografía, coherencia y cohesión de los textos. Hay una gran cantidad de fansubs que imitan el formato de traducción americano a tal punto que omiten con deliberación los signos de interrogación y exclamación al comienzo de las frases. Ni qué decir de las tildes, víctimas si voz de una comunidad a la que le importa poco y nada su existencia.

El ánimo de lucro es tan intenso que obliga a los fansubs a hacer cosas realmente indignas con el único objetivo de ser los primeros. Ya sea pegar unos subtítulos pésimos encima de otros en árabe o subir una versión de 90 mb “HD” como release definitivo… es difícil calcular la cantidad de malas prácticas que puedes hallar si escarbas muy profundo en la tierra.

Y aquellos grupos que sacan versiones de peso considerable tampoco están exentos de controversias. ¿Han notado la gran cantidad de series que se cuelgan diariamente a hosters malísimos como Fileserve o Depositfiles? Esto es porque los anteriores servidores pagan grandes cantidades de dinero por descargas y a mayor peso más son las ganancias. Tampoco olvidemos los “Link Bucks”, que son páginas especiales que te redirigen a los sitios de descarga y te dan dinero por eso. Es un negocio redondo.

Este tipo de cosas son un insulto para los verdaderos fanáticos del anime.

Para finalizar con el fansubing me gustaría apuntar con el dedo y mencionar algunos grupos que realmente no merecen ningún respeto por parte de la comunidad. “Failsubs” como Monkey D. Luffy, World Anime, Latinoanime y tantos otros, que han abandonado hasta la mínima pizca de dignidad para transformarse en ejemplos tangibles de lo mal que estamos y lo poco que hacemos para evitarlo. Soy consciente que para los leechers es muy difícil asimilar todo esto y más de uno sigue los proyectos de los grupos anteriormente mencionados, pero si son verdaderos fans de los mismos es importante que los presionen para mejorar. No hay que temerle a la crítica, por el contrario, hay que abrazarla y sobrellevarla con dignidad.

La Teoría del E-Penismo

Pese a que he dado muchos argumentos señalando la importancia fundamental del ánimo de lucro en el sector, lo cierto es que es imposible categorizar a todos dentro de un mismo saco y mucho menos acusar a una comunidad enorme de ser unos depravados, siendo que en los hechos sólo una facción mínima es la que se enriquece con el fansubing y casi siempre se trata del encoder, ¿pero qué pasa con el resto de los integrantes del sub? Para explicar las motivaciones detrás de esta labor se recurre a la célebre teoría del E-penis.

En pocas palabras, el E-Penis consiste en el orgullo que sientes al pertenecer a uno de estos grupos, y la conciencia de que tu trabajo es altamente valorado por los usuarios. Pese a que la connotación suene ofensiva (y efectivamente lo es), en lo personal no considero negativo sentirse satisfecho con uno mismo si se realiza un buen trabajo, siempre y cuando se deje espacio para el crecimiento personal y se mantenga la permeabilidad a las críticas constructivas. Es aceptable pecar de  vanidoso si haces bien tu labor, pero es difícil determinar cuándo pasas de estar orgulloso de lo que haces a ser lisa y llanamente un pedante insoportable. Se trata de una apreciación subjetiva muy difícil de vislumbrar.

El E-Penismo tiene otra implicancia un poco más vulgar, que es la de participar en el mundo del fansubing y scanlation sólo para satisfacer tu ego y regodearte de tener muchas lecturas, cuando por dentro no eres más que un triste neet cuyo único anhelo es que alguien te dé un abrazo.

¿Qué tiene de subliminal esto? ¡Si la nota sobresale más que los diálogos!

Cómo aportar tu granito de arena

Si estás verdaderamente interesado en cambiar las cosas y poner a los aprovechados en su lugar, acá te dejo unos cuantos tips que podrían ser de gran utilidad a la hora de liderar una revolución fansufística. Si tú no lo haces nadie lo hará, y lo único que conseguiremos será hundirnos más y más en las tinieblas. ¡Es tu oportunidad de hacer la diferencia!

-Presiona a los fansubs a mejorar: Con “presión” no me refiero a burlarte de ellos y ridiculizarnos en base a lo precario de su trabajo. No se trata de insultar, sino que criticar con argumentos sólidos. Aunque no lo creas los fansubs nuevos (y algunos no tan nuevos) leen absolutamente TODOS los comentarios que se escriben en internet sobre su grupo, por lo que realizar críticas acuciosas, prudentes y correctas es la mejor forma de llegar a ellos y de colaborar con su mejoría. No te desmotives si borran tus comentarios, evita perder los nervios y sigue escribiendo en forma pacífica. Eventualmente conseguirás personas que te apoyen y los integrantes del fansub se verán forzados a hacerlo mejor para lidiar con las quejas.

-Exige que suban sus releases  a MediaFire, Sendspace, Rapidshare y Megaupload si pesan más de 100 mb: MF es probablemente el mejor server del mundo para archivos de poco peso, pero no es del agrado de todos debido a que no da premios por descargas. Lo mismo va para Sendspace y Rapidshare, aunque en el 2do los archivos almacenados pueden durar muy poco. Megaupload es un hoster sumamente estable y genial, por lo que es la mejor opción para releases pesados.

-NO descargues versiones ligeras ni archivos almacenados en File Server, Deposit y otros similares: Si después de leer todo el artículo sigues queriendo descargar versiones ligeras sufres de serios problemas de comprensión lexical. Las VL no son el único medio que tienen los “angustiosos” y las personas de internet lenta para ver anime, ya que siempre habrá algún buen samaritano dispuesto a subir el archivo a youtube y páginas similares, donde puedes verlo online a gran velocidad e incluso descargarlo si tienes los plugins adecuados. Tampoco bajes nada por File Server y sus clónicos, pide mirrors a otros servidores. NUNCA bajes archivos que estén vinculados con Link Bucks.

-No ingreses a webs de fansubs con mucha propaganda, y mucho menos presiones en links para darles dinero: No caigas en la trampa de “colabora con nosotros para pagar el dominio del servidor”, sólo conseguirás fomentar el ánimo de lucro de estas personas. El fansubing no debe recompensar económicamente a quienes le practican y mucho menos premiarles por sus ociosas existencias. Si quieren comprar un servidor que financien su propio “hobby” con dinero de su bolsillo. Saturar la web con propaganda y pedir favores a los users es un insulto para aquellos que de verdad hacen esto en forma honesta.

Otro ejemplo clásico del Failsubing. Las tautologías siempre están a la orden del día.

-Colabora con mirrors: Un método infalible para identificar a un grupo honesto de uno que sólo lo hace para conseguir dinero es subir sus releases a otros servidores y colgarlos en sus propios post. Mientras el servidor que escojas no te recompense por descargas el grupo no debería eliminar tu mirror, pero si lo hace de todos modos es una prueba irrefutable de que sus motivaciones no son tan nobles como parecen. Por el contrario, si el grupo te agradece el favor estás frente a personas que merecen tu respeto y confianza.

-Apoya a los fansubs que te gustan: Un simple “gracias es más que suficiente. Los fansubs y scanlations AMAN que las personas comenten en sus post, y más aun si son comentarios positivos. Lo que podrían ser 10 segundos perdidos para ti significa muchísimo para los integrantes del grupo que sigues, y créeme que te conviene bastante que estén de buen humor, ya que estarán más motivados para trabajar y sacar releases como locos.

-Incentiva a los grupos a optar por proyectos desconocidos: ¡No sólo de One Piece vive el leecher! Existen cientos de mangas y animes excelentes que no son trabajados por nadie, por lo que no estaría mal recomendar a grupos recién nacidos o de escaso éxito a tomar proyectos en solitario, o que nunca han sido fansufeados antes. Quién sabe, en una de ésas descubren una joya olvidada y se vuelven mega-famosos rescatando series del olvido.

-Participa y cambia las cosas desde adentro: Pese a que los leechers son capaces de lograr muchas cosas con perseverancia y buenas intenciones, aun así el rango en que pueden incidir es infinitamente limitado en comparación a lo que se podría hacer si están dentro del “negocio”. Te incito a que ingreses al mundillo y compruebes cómo funciona todo por ti mismo. Es una gran oportunidad de colaborar con una comunidad que te ha dado tanto, y si eres lo suficientemente osado quizás puedas cambiar las malas prácticas de tu grupo, fomentando el apego a la ética y recordándoles las bases fundamentales de la actividad.

-Respondiendo a las críticas: Escribir comentarios a los subs pidiendo que mejoren en ciertos aspectos es invitar con los brazos abiertos a los leechers “fieles” que tiene el grupo a que te ataquen. La forma en que estos verdaderos peregrinos del failsubing enfocarán la defensa invariablemente incluirá las siguientes frases: 1- “Si no te gusta no lo bajes”, 2- “Para de molestar, no ves que lo hacen gratis” y 3- “Si tanto te jode, mejor hazlo tú mismo”. Lo ideal sería ignorarlos ya que sus opiniones no pueden ser más insignificantes, pero si posees un alma dadivosa podrías recomendarles esta entrada para ver si en algo cambia su distorsionada e idílica visión que tienen de los fansubs. En una de ésas consigues concientizar a unos cuantos, pero no esperes la gran cosa.

¿Realmente es necesario traducir las enormes letras doradas?

Conclusiones

La decadencia del fansubing hispano va de la mano con la decadencia del anime contemporáneo que ya he mencionado en otros artículos, y a su vez es consecuencia de una decadencia moral en donde unos cuantos aprovechados han sabido sacarle provecho al trabajo de los otros y corromper la estructura misma del sistema. El ánimo de lucro y la teoría del E-penismo explican a la perfección los motivos que llevan a los fansubs a prostituirse por unas cuantas descargas extras y a sacar la primera versión de todo, aunque no puedas verla sin sufrir de cáncer ocular.

Pese a que las culpas se reparten entre fansubs basura y encoders inescrupulosos, creo que el verdadero enemigo a superar es la ignorancia generalizada del leecher promedio, incapaz de esperar un par de horas por alguna versión aceptable y que se lanza como poseído por el demonio al primer release que se publica en internet. Mientras los usuarios no aprendan a ser pacientes y a discriminar entre una buena versión y otra cuyo único interés es sacar dinero de la idiotez de quienes les siguen, la decadencia no hará más que acentuarse y estamos condenados o convivir en un mundo de iletrados, intolerantes a las críticas; sin anhelos de auto superación ni con motivos para mejorar en lo que hacen, ¿pues para qué hacerlo? Si al fin y al cabo los leechers descargarían hasta un trozo de mierda si dice “Wan Piz” FHD encima.

Hace un par de meses decidí hacer un pequeño experimento en el blog y colgué una encuesta con algunos títulos de PSX, preguntando a los lectores cuál de los juegos mencionados preferían. Como cabría de esperarse casi todos votaron por el MGS de Hideo Kojima, y el resto de las respuestas se difuminaron entre los otros nombres a elección (Digimon World, FFT, Castlevania SOTN y BOF 4). Como soy un tipo muy majo escogí deliberadamente comenzar a redactar sobre el juego menos votado (el Tactics), y ahora le tocó el turno a la 2da minoría.

Debo confesar que estoy algo desilusionado con los resultados de la encuesta. Osea, el FFT siempre ha sido un juego impopular y muy pocas personas le conocen, pero no puedo concebir tal desprecio hacia el Castlevania SOTN de Konami, un título cuyas repercusiones todavía se sienten en la industria.

Pocos lo saben, pero este título puede considerarse sin problemas como un antes y un  después en la historia de los videojuegos.  Vio la luz en PSX a principios de 1997 y se trata de una secuela directa del Rondo of Blood (a mi gusto el 2do mejor juego de la saga). Su lanzamiento oficial tuvo lugar en un periodo de tiempo donde Nintendo ostentaba un control casi hegemónico del mercado. Sega ya había dejado de ser una compañía competitiva y la única consola con posibilidades serias de oponérseles (la PSX de SONY) carecía de juegos de alto nivel que justificasen su adquisición.

La versión original de PlayStation fue lanzada durante 1994 con una recepción aceptable, pero poco podía hacer para competir contra el Nintendo 64 y juegazos de gran calibre como el Súper Mario 64 y el PilotWing. No olvidemos que entre los años 1994 y 1998 se vivió la así llamada “edad de los polígonos”, que llevó a pensar a muchas personas que el 2D era un género en decadencia y que los pixeles ya eran parte del pasado. Estos fueron los días en que grandes franquicias dieron el salto a los polígonos (Zelda, Mario, SF, MGS, FF, etc.) y todo parecía augurar un futuro resplandeciente para los juegos con aquel engine gráfico.

Sony la veía cruda y a medida que las ventas del 64 se disparaban las del PSX comenzaban a caer en picada. Por fortuna esta situación no se prolongaría demasiado, ya que en Enero de 1997 salió en Japón el Final Fantasy VII, poniendo la guinda sobre la torta en la transición de pixeles a polígonos y fijando el actual equilibrio de poderes entre las compañías de videojuegos, manteniéndose casi sin variaciones hasta la integración de Microsoft en el mercado.

El Castlevania Symphony of the Night saldría sólo 2 meses después del FFVII y gozó de una popularidad similar al mega-ventas de Square. Estos dos títulos consolidarían a la PSX como la mejor consola de su generación y darían lugar a una transición definitiva en la industria, dícese: Se puede hacer juegos exitosos con temáticas adultas y no es necesario que las videoconsolas estén enfocadas exclusivamente en los niños pequeños. Con el auge de PlayStation en el 97 se abrirían las puertas para una nueva generación de videojuegos como nunca antes vista. Son los días del primer RE y sus míticas peleas con las asociaciones de padres, del MGS y sus fascinantes pugnas ideológicas; las temáticas oscuras y de cuestionable moralidad han llegado para quedarse.

En la actualidad pocos podrían discutir que los polígonos son el eje fundamental de nuestra era. Los gráficos modernos distan mucho de aquellos cuadriculados personajes que dieron inicio al boom a mediados de los 90, pero en lo que sí se equivocaron los visionarios de aquellos tiempos es en el destino final de la generación 2D.

Hoy en día los pixeles están más vivos que nunca en el género de las peleas y en los side-scrolling. Tanto los Megaman como los Castlevania sacan cada cierto tiempo uno que otro título de plataformas siguiendo el engine clásico para las consolas portátiles. Pese a que ambas franquicias tuvieron fracasadas experiencias poligonales (los Castlevania de 64 son aberraciones contra la humanidad), al final lograron sobrevivir a la “edad de los polígonos” y adaptarse a las nuevas generaciones.

El Castlevania SOTN cumple un papel fundamental en la consagración definitiva del 2D como piedra angular de los juegos de plataformas, porque en plena época de transición le dio un golpe en las bolas a todos aquellos que contaban los minutos para la total aniquilación del género. Nos enseñó que las buenas iniciativas no conocen engine gráfico, y que hacer un juego 2D puede ser mucho más laborioso y tener mejores resultados que uno 3D de similares características.

Gráficos e historia

El SOTN es un juego hermoso mires donde lo mires. Los gráficos son sublimes; el diseño del castillo es magnífico y los enemigos son muy variopintos. La aventura se divide en dos ciclos: El Castillo de Dracula normal y el invertido. Entre ambas versiones del Castillo pueden contarse más de 2000 habitaciones, todas plagadas de detalles y particularidades que las diferencian entre sí. Permítanme poner énfasis en esta parte. ¿Pueden comprender lo que significa hacer dos mil habitaciones distintas en un juego de video? No niego que la mitad de esa cifra sean las del mismo Castillo al revés, pero la disposición de los ítems y los enemigos son absolutamente distintos en ambos ciclos. A Konami le tomó cerca de 4 años de intenso trabajo terminar esta obra maestra, y para el diseño de escenarios se contó con pintores y dibujantes profesionales entre la plantilla de producción. El castillo está repleto de referencias barrocas y renacentistas; pinturas que representan imágenes de la inquisición, demoniacas, angelicales, etc. Debe tratarse del juego con más detalles gráficos de su generación, y pese a haberlo terminado millones de veces sigo encontrando cosas nuevas que me asombran y conmueven.

La historia también es sobresaliente. Narra los devenires del hijo no reconocido de Dracula, Alucard, y sus anhelos por extirpar su sangre maldita de la faz de la Tierra. Alucard es un hombre mitad vampiro que ya había aparecido en el Castlevania III: Curse Of Dracula para Nintendo, colaborando con Trevor Belmont y sus aliados en la derrota de su propio padre hace más de 300 años.

La madre de Alucard fue seducida por el Conde e incinerada durante la inquisición. Con su último aliento le pide a su hijo que perdone a los humanos, y que si no puede vivir con ellos al menos les deje vivir en paz, ya que de por sí la vida es muy dura para todos. Alucard cumple su palabra y escoge vivir al margen de los humanos, pero no sin antes cobrar venganza contra su diabólico padre, a quien no puede perdonar por todo el daño que les hace a las personas.

Es muy interesante que sea Alucard -incapaz de vivir con los humanos y despreciándolos en secreto- quien lleve a cabo el asesinato del Conde y les libre de la amenaza de los vampiros. Está clarísimo que no se encuentra inspirado por sentimientos tan nobles como la justicia o la bondad (de hecho, tiende a ser un hijodeputas con cierta frecuencia), pero aun así es incapaz de conservar la pasividad ante la germinación del mal en su forma más pura. Una de las mejores frases del juego es aquella famosa secuencia final en que le dice a Richter Belmont: “Lo único necesario para que el mal triunfe es que los hombres virtuosos no hagan nada”, lo cual complementa con “Adiós, nunca más nos volveremos a ver”.

El otro personaje protagónico es el ya mencionado Richter, heredero de la famosa dinastía Belmont y actual poseedor del “Vampire Killer” (el látigo con el que el legendario Simon Belmont derrotó a Dracula por primera vez). Richter ya había sido el personaje principal del Rondo Of Blood junto a una infante María Renard, y el SOTN comienza recordándonos el final de aquel juego. Es en esta parte donde tiene lugar el célebre diálogo entre el Conde y Ritchter, que dice así:

Richter: “Die Monster, you don`t belong in this world”

Dracula: “It was not by my hand that I am once again given flesh. I was called here by humans who wish to pay ME tribute.”

Richter: Tribute!? You steal men’s souls, and make them your slaves!

Dracula: Perhaps the same could be said of all religions.

Richter: Your words are as empty as your soul! Mankind ill-needs a savior such as you!

Dracula: What is a man? [Arroja la copa que sostiene entre sus manos al suelo] A miserable little pile of secrets! But enough talk… have at you!

Lo anterior mis amigos es uno de los diálogos más importantes y conocidos en la historia de las videoconsolas. No existe ningún ser humano en el mundo que haya terminado este juego y no pueda recitar esas líneas de memoria, poniendo énfasis en el mal doblaje e imitando los movimientos de los interlocutores. Durante las sucesivas readaptaciones de este título han mejorado las voces y cambiado alguna que otra palabra, pero la esencia de la conversación se mantiene inalterable.

Tras la derrota de Dracula en el Rondo Of Blood transcurren unos cuantos años sin novedades, pero la paz vuelve a verse interrumpida al confirmarse la resurrección del Castillo Maldito y la desaparición de Richter, el único capaz de oponérsele.

La acumulación de energías malignas es tan intensa que despiertan a Alucard de su letargo de más de 3 siglos, y no duda ni un segundo en dirigirse al castillo para enfrentar nuevamente a su padre. Allí se encuentra con una María ya adulta y descubre que Ritchter se ha dejado consumir por la maldad, transformándose en el Señor del Castillo.

Con la ayuda de María logra romper el hechizo que tiene aprisionado a Richter y accede al Castillo Invertido para enfrentarse a su padre de una vez por todas. Consigue acabar con La muerte, con el Mago Oscuro Shaft y finalmente dar por terminadas las aspiraciones del Conde, no sin antes tener un emotivo diálogo donde se revela que Dracula siempre estuvo enamorado de la madre de Alucard, y que gran parte de su accionar se debe al resentimiento que tiene contra los humanos por asesinar a su amada.

El juego concluye con Alucard despidiéndose de Richter y María, mientras ven cómo el Castillo se desvanece en el aire. El mitad Vampiro les pide que no lo busquen, pero María hace caso omiso de sus palabras y le sigue a la distancia. Aquí comienza a sonar el famosísimo tema “I am the Wind” de Cynthia Harrel (también canta la introducción en el MGS 3), vemos los créditos y damos por finalizado uno de los mejores juegos que probablemente hayas terminado en la vida.

Factores que propiciaron su éxito

El Symphony of the Night consiguió renombre casi inmediato debido a que combinaba gráficos sublimes con algunas de las mejores pistas de audio en PSX; una historia atrapante sumada a un gameplay intuitivo y muy variado. Parte de su enorme éxito se debió a que supo rescatar lo mejor de su franquicia agregándole distintos elementos ya vistos con anterioridad en el Super Metroid de Snes (de ahí el seudónimo “Metroid-Vania”), consiguiendo darle nuevos aires a una saga algo estancada y falta de ideas nuevas. El resultado fue tan bien recibido que a partir de este punto todas sus secuelas -sin excepción- intentarán imitar el estilo de juego trazado en el SOTN hace ya tantos años.

Volvió a utilizar algunos elementos RPG que ya habían sido implementados en el nefasto Castlevania II de Nes, entre los que destacan la posibilidad de comprar ítems para acceder a lugares determinados. De Metroid sacó el estilo no-lineal de aventura, en forma dramáticamente opuesta a todos sus predecesores, que consistían en juegos por escenarios fijos. Salvo en el 3 que podías escoger por dónde ir, el resto de los Castlevania se caracterizan por presentar una serie de niveles ineludibles, que se vuelven más complicados al avanzar en la historia. En otras palabras, es tan sencillo como avanzar en forma horizontal, superar el nivel, vencer al jefe, pasar al siguiente escenario y repetir ciclo hasta que termines el juego.

En el SOTN tienes un castillo enorme por explorar con absoluta libertad. Puedes tomar distintas rutas y visitar las áreas en el orden que te plazca, sin embargo en ocasiones deberás cumplir requisitos especiales para acceder a ciertos sitios, ya sea presionar un interruptor, comprar un talismán, portar un equipo predeterminado, entre otros. También sólo será posible ingresar a algunas áreas transformándote en murciélago, en lobo o en una nube gaseosa, pero para usar estas habilidades primero tendrás que encontrarlas.

Dentro de las innovaciones propias de este título destacan la incorporación de una barra de vida numérica, que puede aumentar al recolectar ítems específicos. Lo mismo ocurre con el contador de corazones, que te permite usar las sub-armas asignadas. Alucard también posee la capacidad de realizar ataques mágicos, aunque consumen MP y algunos son muy complicados de marcar. Mi preferido es el “Soul Steal” (roba la vida de los enemigos cercanos y se recupera), que puede llegar a ser muy cheap si se usa en forma descriteriada.

Alucard puede equipar armas, escudos, armaduras, yelmo, capa y accesorios. Esta entrega se caracteriza por presentar una cantidad de ítems sin precedentes en un juego de plataformas, y cuenta con nada más ni nada menos que con cientos de armas para escoger, cada una con estatus y características propias. También hay montones de armaduras, escudos, yelmos y accesorios (las capas no son muchas), pero en donde verdaderamente sobresale es en la monstruosa cantidad de armas que Alucard puede portar. Hay de todo; desde espadas oxidadas hasta unas que pueden acabar con el jefe más duro en quince segundos. También hay algunas varas mágicas que puedes combinar con los escudos para obtener power ups momentáneos y algunos hechizos defensivos. Por último, algunas armas tienen habilidades especiales que se activan presionando combinaciones de botones. Lo normal es que sea una media “U” hacia delante o arriba, abajo, arriba, aunque hay algunas excepciones. De todas formas no puedes saber qué arma hará tal cosa a menos que lo pruebes contra los enemigos, y es muy divertido hacer esto ya que a veces los resultados son increíbles. Creo que lo más raro que he visto es cuando marcas una media u con el bastón sagrado, sale la imagen de un ángel por una fracción de segundo.

Se me olvidaba mencionar que Alucard también tiene estatus bases, los cuales aumentan a medida que subes de nivel. Ésta es una forma magnífica para motivar al jugador a luchar contra todos los monstruos, en vez de lisa y llanamente transformarse en murciélago y eludir los obstáculos.

El problema de lo anterior es que a partir de cierto punto el prota será tan ridículamente poderoso que el juego carecerá de toda complejidad. Salvo algunos mini-jefes especiales en el castillo invertido, nadie será capaz de darte pelea sobre nivel 38, y ése es un nivel que puedes alcanzar fácilmente al llegar a la mitad del juego, sin siquiera esforzarse.

Es muy triste esperar tanto tiempo para enfrentarte con La Muerte, Shaft y el Conde para que no te duren ni medio minuto, pero como premio de consolación podemos luchar contra algunos sub-jefes bastante duros, que requerirán pensar con calma y tener buenos reflejos.

Otro aspecto donde patea culos es en el gameplay: Aunque quizás SORMAT discrepe un poco en este punto, a mi parecer la jugabilidad, el control del protagonista y la amplia gama de movimientos convierte a este título en uno muy superior al sobreestimado Súper Castlevania IV de Snes. Quizás algunos de los lectores hayan visto los videos sobre Castlevania del AVGN (si no lo has hecho, presiona aquí) donde deja en un pedestal muy alto al SCIV y no se refiere en buenos términos al SOTN. Ocurre que nuestro querido Nerd tiene una obsesión extraña con todo lo que tenga Nintendo encima (por si no lo habían notado, aunque yo tampoco soy nadie para hablar), y le vuelve muy poco objetivo en estos asuntos.

Es efectivo que el SCIV es un enorme avance en comparación al durísimo pad del Nes, pero aun así está muy lejos del SOTN, en donde el control es absolutamente perfecto: Alucard puede dar doble saltos, tiene un retroceso rápido (de poca utilidad), transformaciones, descenso veloz al caer con una patada, golpes en múltiples direcciones, habilidades mágicas, salto cargado (que incluso puedes hacer incontables veces en el aire si eres talentoso), defensa con escudo, salto corto, etc, etc. ¡Es casi como si pudiera hacer todo y más! Y la amplísima gama de movimientos del prota varía dependiendo del tipo de equipo que portes, de los ítems que uses, de la habilidad especial del arma… y muchas otras variantes más.

Siguiendo con el repaso de virtudes, es imposible no mencionar uno de los aspectos más alabados del juego. Con lo anterior no me refiero a otra cosa que a su maravilloso OST, considerado por un amplio sector de la crítica especializada como “el mejor OST de un video-juego hasta la fecha”.

Quizás lo anterior suene algo descabellado si tenemos en cuenta pistas de audio legendarias como las del MGS o Shadow Of Collosus, pero eso sólo lo diría una persona que nunca ha experimentando en carnes el deleite auditivo que significa el “Sinfonía de la Noche”.

Para la producción de la banda sonora de este título se pidió asistencia a filarmónicas, solistas, bandas instrumentales y muchos otros músicos de alto renombre. Los temas pasan de la música clásica al Heavy Metal, y a falta de adjetivos calificativos para categorizarla, me limitaré a decir que este OST es tan pero tan bueno que se dieron el lujo de incluir una pista adicional que sólo puede oírse si colocas el disco de PSX en un reproductor de discos compactos. Lo mejor de este secreto es que puede escuchar a la voz de Alucard diciendo algunas cosillas geniales antes del comienzo de la canción.

Por último quisiera destacar la monstruosa cantidad de enemigos que tiene este juego. No estoy del todo seguro, pero creo que puede quintuplicar fácilmente al del Rondo Of Blood (que de por sí triplica al SCIV).

Críticas

La peor queja que puede imputársele es su minúsculo grado de dificultad. Llegados a cierto punto nadie te hace nada, e incluso en niveles bajos Dracula es incapaz de ponerte en aprietos. Esta gigantesca falla puede subsanarse ligeramente si desbloqueamos el “modo difícil” con un truco, aunque tampoco es la gran cosa.

Pero como los juegos legendarios como éste rara vez dejan problemas de tal envergadura sin solución, tras terminar la partida con un determinado porcentaje del mapa puedes probar el escenario del carismático Richter Belmont. Se trata de una modalidad bastante compleja, potencialmente frustrante para los menos habilidosos.

Otro lío extraño es el del mapa. No lo había mencionado antes pero a medida que avanzas añades un determinado porcentaje del mapa a un contador, y a mayor cifra más lugares del Castillo son los que has visitado. El porcentaje máximo oficial es 200.6%, pero los glitchs están a la orden del día y hasta el momento el record guinness va por los 400 y contando.

También me molesta muchísimo tener tantos ítems inútiles en el inventario. Los ítems que se arrojan no sirven de nada 99% de las veces y ocurre lo mismo con los objetos inmunológicos a ciertos elementos. He terminado el juego decenas de veces y puedo decir sin problemas que 7 octavos de los artilugios almacenados a lo largo de la aventura sólo sirven para adornar el inventario. Además jode montones tener que seleccionar el ítem como si fuera un arma para utilizarlo (groso error de los programadores).

Una crítica que no comparto es aquella que dice relación con las voces de los personajes. Es cierto que algunas líneas son algo tontas y los dobladores pudieron haber hecho un mejor trabajo, pero aun así cada pista de audio de este juego es memorable a su modo, y nadie puede negar que la voz de Alucard es magistral. Supongo que en este sentido nunca habrá consenso.

Consideraciones Finales

Pese a que originalmente pensaba comenzar la entrada mencionando la famosa anécdota del Castillo Invertido (dice la leyenda que las primeras personas en jugar el SOTN en 1997 nunca descubrieron la existencia del 2do castillo, y eso sólo se hizo público cuando Konami dio un comunicado oficial), pero decidí ignorarlo porque dudo mucho de la veracidad de esa historia. ¿Realmente creen que los japos, con lo obsesivos compulsivos que son, no se darían cuenta de que falta un gigantesco trozo de juego? Por favor… Además ni siquiera es tan complicado descubrir la forma de acceder al otro Castillo… es un mito urbano de muy escasa credibilidad.

Otra cosa interesante es dejar bien en claro las implicancias de este título en el sector. Ya mencioné que junto al FF7 levantaron a PSX y le volvieron una consola competitiva en el mercado, y también tiene el mérito de darle continuidad al 2D en el género de plataformas.

Lo última implicancia dice relación con el surgimiento de las historias “oscuras” en la industria, al ser uno de los primeros mega-ventas con temáticas no aptas para todo público. Basta con decir que los Castillos están plagados de imágenes diabólicas e incluso puedes terminar el juego matando a Richter, sin luchar contra el Conde.

Hasta aquí llegamos hoy. Espero haber compensado el fiasco de la última entrada,  y pierdan cuidado que tenemos títulos de PSX para rato.

Toriko es -actualmente- uno de los mangas más prestigiosos de la Shonen Jump; su autor es Mitsutoshi Shimabukuro y comenzó a serializarse en Mayo del 2008. La historia va de un cazador de nombre “Toriko”, que se especializa en criaturas extremadamente raras y peligrosas. El mundo en el que habita se encuentra plagado de monstruos y animales que son considerados verdaderos manjares por los “gourmets” esparcidos por todos lados del globo. La profesión de Toriko es conocida como “Bishokuya”, y sólo trabaja para las personas que pueden costear sus servicios.

Uno de los mayores problemas que tiene este manga es que su base argumental (dícese, cazador súper musculoso que consigue comida para la gente rica) no puede ser más horrenda. Aquello le ha valido ser despreciado por bastante tiempo e incluso hasta el día de hoy (ya consagrado en la revista de comics más importante del mundo) sólo un puñado muy selectivo de personas son concientes de su existencia.

Otro gravísimo inconveniente que ha debido surcar se origina en la ambigua condición sexual de su autor, quien durante el 2002 fue arrestado por prostitución infantil y pagar por sexo a un menor de 16 años (pese a que en su defensa mencionaré que las circunstancias son confusas y existe fuerte evidencia que prueba su inocencia… al menos en el cargo de oprobio). De una u otra forma ha conseguido plasmar sus “particulares” concepciones sobre la sexualidad en la serie, pero en forma bastante sutil y sin pasar nunca de ser un mero dato anecdótico.

Ligado a lo anterior, también destaca la ausencia casi total de mujeres durante la historia. En lo que va de manga sólo han hecho acto de presencia 2 chicas jóvenes y una anciana bastante entrada en años, lo que representa menos de un 1% del elenco de personajes hasta la fecha. Bastante anormal en una industria en donde los hárem están a la orden del día y mientras más mujeres sensuales tenga la serie más popularidad consigue.

Pese a que el comienzo es bastante lento y aburre al rato, el nivel de calidad aumenta progresivamente y en forma descontrolada, hasta el punto en que los últimos arcos (en especial el de la Century Soup) pueden considerarse sin problemas como lo mejorcito que se ha visto en el manga de los últimos 5 años. El grado de violencia alcanza índices inauditos y las peleas son épicas a más no poder.

Llega un momento en la serie donde Toriko comienza a realizar misiones por cuenta propia para sumar ingredientes a su “menú completo” (es algo así como la carta de presentación de los Bishokuyas, y mientras más impresionantes sean los ingredientes mejor). Esto de los menú es genial porque se catalogan por niveles y es muy emocionante cuando los personajes se enfrentan a criaturas o desafíos de alta complejidad, incluso de nivel “inconmensurable”.

La forma en que se desarrollan los combates es bastante tradicional, destacando la fuidez de los movimientos y la “crudeza” de ciertas secuencias (mucha sangre, desmembramientos, gore… es bastante explícito). Lo cierto es que el mangaka ha intentado imprimirle un aire que recuerda mucho al panorama de principios de los 90, lo cual contrasta dramáticamente con la gran mayoría de los exponentes de la jump contemporánea.

Los personajes son atractivos y bien delimitados: Toriko es un prota genial y consigue power ups bestiales cada vez que come algo “compatible” con sus células. La gran mayoría de sus viajes los realiza en compañía de su patiño fiel de nombre Komatsu, un chico muy amable con un talento nato para identificar ingredientes y preparar platillos. Dentro del lote de los amigos de Toriko destacan Sani, Coco y Zebra (el último recién comienza a hacer acto de presencia tangible en el manga), quienes son mundialmente conocidos como los “Cuatro Reyes Celestiales”. Fueron entrenados directamente por quien se dice es el hombre más fuerte de la actual era gourmet (el Presidente de IGO) y cada uno posee habilidades particulares bastante llamativas.

Los malosos del manga vienen a ser el “Bishokukai”; Un grupo delictual que busca hacerse con los ingredientes y platillos más apetecidos en el planeta. Entre ellos destacan los Vice Chefs Tommy Rod (uno de los mejores antagonistas que se haya visto en mucho tiempo), Stayun y Grinpatch. Del jefe todavía no se sabe mucho y a lo máximo hemos visto su sombra en algunos puntos de la historia.

Para el tiempo en que estas líneas son escritas se están afilando los últimos detalles para el lanzamiento de una conversión animada del estudio TOEI, los mismos de One Piece y Dragon Ball, para que se hagan a la idea de lo que tenemos entre manos. También se ha comenzado a considerar al manga como el “4to exponente de la triada Jump” (tautologías aparte), pese a que a mi parecer colocarlo en el mismo lote que Bleach es una ofensa imperdonable.

Sumado a lo del futuro anime, hay un ova especial rondando por la web -que dentro de nada será trabajado por Dondake Subs directamente del DVD- y una película en 3D donde comparte pantalla con el mismísimo One Piece (ambos mangakas son muy amigos).

Y ya que estamos promocionando a Dondake, me llena de orgullo mencionar que nuestro humilde grupo es el único scanlation hispano que trabaja la serie. Lo hacemos con una calidad bastante aceptable y a buena velocidad, por lo que si les interesa darle una ojeada a este magnífico manga les recomiendo encarecidamente darse una vuelta por la página del fansub y descargar los episodios más actuales, sin mencionar que todos los coloreados que colgé en esta entrada han sido realizados por users de la web.

Eso es todo por hoy. A ver si me animo pronto a seguir escribiendo. Nos vemos.